supersabino

Albertone... un borghese piccolo piccolo

2012-02-02T05:39:00.000-08:00

Con un Borghese piccolo piccolo la commedia all'italiana entra nei cupi e violenti anni di piombo. Un'epoca di lotte a tutti i livelli, di classe e di politica, dove la violenza diventa l'unica legge, e forse l'unica arma di salvezza.

Da un soggetto di Cerami, Il compianto Mario Monicelli, realizza una pellicola tesa e compiuta come poche, che si regge su un grandissimo Alberto Sordi, che interpreta un oscuro e mediocre travet, che spinto dal fato, diventa un crudele giustiziere, affascinato dalla sua discesa agli inferi. Nessun film secondo me é riuscito a scattare una istantanea di quegli anni perfetta come il capolavoro monicelliano. Grande il cast con un untuoso Romolo Valli sugli scudi, una superba Shelley Winters e la performance di un mai troppo apprezzato Crocitti. La storia é nota: l'impiegato del ministero Sordi fa di tutto per garantire un futuro al figlio, persino affiliarsi ad una loggia massonica, salvo vedere infranti i suoi sogni quando il giorno delle selezioni questi viene ammazzato sotto i suoi occhi. Reazione imprevista e violenta, anziché denunciarlo alla polizia, Sordi , cattura e sequestra il rapinatore, torturandolo fino alla morte.

Un ritratto crudele ed impietoso di un borghese piccolo piccolo, che dimostra come ognuno di noi , messo di fronte alla cruda realtà può divenire un killer efferato. Ingiustamente accusato di essere reazionario, Alberto Sordi, dimostra ancora una volta di essere il più grande degli attori italiani, smentendo i giudizi frettolosi di un Moretti accecato dall'ideologia, lui sí pessimo attore al confronto dell'albertone nazionale, e la sua maschera é il driver che legge le pulsioni e le tensioni di un decennio molto movimentato.

Il Boss: non ci sono buoni e cattivi ma solo vincitori e perdenti

2012-01-23T09:37:00.001-08:00

La scalata ai vertici della criminalità di un uomo senza scrupoli che schiaccia sotto i propri piedi ogni possibile traccia di sentimento, uccidendo il suo padre adottivo, il suo migliore amico e trascinando all’inferno la sua donna. Il boss è il terzo capitolo della trilogia di Fernando Di Leo. Forse il vangelo della sua poetica fatta di violenza gratuita quale chiave per poter sopravvivere in un mondo dove tutti sono pronti a tradire e dove l’unico dio è il denaro, o forse meglio il potere. Perché comandare è meglio di fottere. Il boss è la maschera di ghiaccio, impassibile ed inespressiva, per questo perfetta di Henry Silva che si muove in un universo dominato dalla mafia. Un cancro corrosivo che lentamente consuma ogni ganglio vitale della società, polizia compresa. Se le forze dell’ordine non sono colluse sono rassegnate ed impotenti. Il dualismo fra il corrotto commissario Torri( Gianni Garko) ed il questore Caprioli è esemplificativo di questa visione del mondo. Fantastico il finale con Silva che fa piazza pulita di tutti i suoi antagonisti e si allea con il viscido rappresentante del potere politico centrale in Sicilia e fa da preludio ad una agghiacciante scritta a caratteri cubitali CONTINUA… è la sintesi dell’universo dileiano. Non ci sono buoni e cattivi, ma solo vincitori e perdenti…

Quando la Mala Ordina...

2012-01-23T09:29:00.000-08:00

Un piccolo ed insignificante magnaccia, che agli occhi degli altri criminali svolge una professione che non è da uomini, viene coinvolto suo malgrado in una storia più grande del suo profilo. E tutto suo malgrado. Dopo avergli ucciso moglie e figlia però qualcosa cambia, e l’uomo da niente si trasforma in uno spietato ed infallibile giustiziere che elimina uno ad uno tutti i suoi nemici, consapevole però che alla fine nulla cambierà. Anzi, la spirale di violenza lo soffocherà riportandolo alla dimensione di un semplice ingranaggio di una quotidianità fatta di soprusi, droga, e crudeltà. Questa in sintesi la trama dello straordinario La Mala Ordina, secondo capitolo della trilogia di Fernando Di Leo che tira fuori dal cilindro una pellicola tesa, nervosa ed asciutta dove gli attori protagonisti e non si rendono esecutori di scene da antologia, sia in quelle d’azione che nei dialoghi. Non solo Mario Adorf sugli scudi nel personaggio del macrò Luca Canali, da storia del cinema d’azione il suo inseguimento incollato al parabrezza di un ambulanza che ha spalmato davanti ai suoi occhi coniuge e prole, ma anche un monumentale Adolfo Celi nei panni del boss Don Vito Tressoldi che perde con il passare dei minuti la sicurezza dell’infallibilità del suo piano per fregare l’americano. Ma come non ricordare i due killer americani, Henry Silva e Woody Strode, che Di Leo tratteggia, divertendosi, in maniera surreale caricandoli degli stereotipi da gangster oltreoceano. E poi la musica di Trovajoli con un leit motiv che quando ti entra nel cervello te lo consuma con il suo battito funkeggiante. Gli inseguimenti, la violenza gratuita ed ostentata, iperrealista e tragica, il destino segnato dei personaggi sono tutti elementi della poetica del maestro Di Leo che hanno influenzato il grande Tarantino secondo sua stessa ammissione. E non deve essere difficile immaginarsi Quentin sbellicarsi dalle risate guardando il confronto fra Adorf e Celi, fra Adorf e Silva/Strode. Una metamorfosi progressiva che fa del magnaccia quasi un super eroe, un irreale paladino della giustizia ( quale?). Un crescendo che ridicolizza in alcuni tratti perfino Siegel ed il noir francese. …l’avrò visto almeno 50 volte, ma riesce sempre ad affascinarmi. Grande Fernando. Quanti registi hanno contratto debiti con la tua poetica, con il tuo talento unico naturale di girare scene d’azione e di violenza. Ed ancora una volta la critica mainstream deve ripercorrere i suoi passi. Quando mi parlano di noir contemporanei o di action movie italiani mi viene assolutamente da ridere. Fossero in grado di farne una di scena alla Di Leo. Gloria eterna alla Daunia film.

La polizia ringrazia... Salerno come Eastwood

2012-01-19T05:20:00.001-08:00

Uno dei capolavori del poliziesco all’italiana che anticipa alcune tematiche riprese dal leggendario Una 44 magnum per l’ispettore Callaghan, e consacra alla storia il decennio dei settanta all’insegna di un cupo pessimismo, fatto di servizi segreti deviati, giustizia fai da te, intransigenza politica.

Su tutto la violenza quale sola chiave di lettura della realtà e dei rapporti umani.

Nel 1972 Steno ( Stefano Vanzina) firma con “La polizia ringrazia” una pellicola tesa e nervosa che indaga sull’ambiguo rapporto tra un intransigente commissario di polizia, interpretato da un monumentale Enrico Maria Salerno, qui ai vertici della sua carriera, ed una misteriosa squadra anticrimine eversiva guidata da un insospettabile ex questore che arruola giovani virgulti destrorsi. Il commissario si trova a lottare ogni giorno con leggi sempre più a favore dei criminali e con il senso giustizialista di alcune fasce della società.

Sullo sfondo, come un’immensa ragnatela che lo stringe progressivamente nelle sue maglie una Roma livida e crepuscolare, dove pullula una criminalità fatta non solo di grandi delinqeuenti, ma in special modo di puttane, magnaccia, tossici senza speranza, scippatori. Una violenza che alla fine trionfa, spegnendo la velleitaria sete di giustizia, o meglio del rispetto della stessa e delle sue leggi, di un Salerno trafitto da una gragnola di colpi , vittima sacrificale di un glaciale plotone di esecuzione.

A livello sociologico questo film fa da apripista a tante considerazioni sulla correità di alcuni settori della nostra società nell’aumentare la criminalità, e soprattutto su un angosciante dibattito. Chi controlla i controllori? Siamo in anni in cui forte si faceva la cultura del sospetto, del dubbio di essere manovrati dallo Stato contro di esso, o meglio contro alcune frange. Nonostante il pessimismo di fondo, senza redenzione, il film fu un blockbuster dell’epoca per i botteghini nazionali, complice anche una memorabile colonna sonora firmata da Stelvio Cipriani.

Qualche intellettuale chic all’epoca disprezzò molto i gusti e le scelte degli italiani, ma visti oggi, questi film, rispetto alle fiction ed alle pellicole buoniste e terzomondiste di tanto cinema italiano gridano vendetta.

L'universo filosofico di Wittgenstein... e di Jarman

2012-01-15T10:51:00.001-08:00

Con Wittgenstein di Derek Jarman, abbiamo l’altra
faccia del genio filosofico di questo secolo, intransigente ed inflessibile con
sé, prima ancora che con gli altri, l’angosciata e travagliata biografia di un
uomo disambientato, ossessionato da nevrosi e devianze, che impersonò e visse
la propria vita come una controversia continua, inesorabile ed a momenti
autodistruttiva, per la realizzazione di quell’altra persona che
incessanetemente ricorse e che avrebbe voluto essere, soffendo per tutta la sua
esistenza di quella bizzarra irrequietudine conosciuta come protestantesimo, in
cui nulla è casuale o contingente, qualunque cosa è una potenziale avvisaglia
di dannazione o salvezza.

Per Ludwig “ è
essenziale alla ricerca piuttosto il fatto che con essa noi non vogliamo
conoscere nulla di nuovo. Vogliamo comprendere qualcosa che sta già davanti ai
nostri occhi, benché propriamente ci sembra in qualche modo, di non comprendere”.

I cent’anni del cinema convergono fedelmente con il secolo che è stato definito
della svolta linguistica. Rapido elenco di background: dal formalismo russo all’ermeneutica
ed alla fenomenologia, dalle teorie dell’informazione allo strutturalismo,
dalla semiotica al decostruzionismo. Il Novecento è stato tra l’altro l’epoca
della riflessione sul linguaggio, anche artistico. È nell’orizzonte della
rivoluzione linguistica che si muove oggi ogni vicenda, conoscitiva e di vita.

La non dignità delle telecamere: La morte in diretta

2012-01-10T07:38:00.000-08:00

Seguire sugli schermi televisivi, giorno per giorno, la vita
di una condannata a morte, il lento ma inesorabile avanzare di una malattia incurabile.
E la voglia irrefrenabile di spiare dal buco della serratura l’anima ed il deterioramento
del corpo, di un pubblico sempre più cinico e disincantato, pronto a
mercificare la sacralità e la dignità dell’esistenza. Bertrand Tavernier nel
1980 aveva già visto tutto ne “La morte in diretta”, preconizzando una società
liquida dove il voyeurismo l’avrebbe fatta da padrone. Un cast incredibile,
soprattutto nella scelta degli attori, Max
Von Sydow, Harry Keitel, il feticcio wendersiano Harry Dean Stanton ed
una incredibile Romy Schneider, danno vita ad una pellicola serrata che
concatena attimo su attimo i momenti della fuga della protagonista dalla
cinepresa. È cinema nel cinema quello che osserviamo, e che porta
inevitabilmente alla cecità, punizione inevitabile per voler vedere troppo. Per
l’ingordigia di immagini che sovraccaricano la nostra esistenza. Il finale con
il suicidio della donna ammalata e la rabbia furiosa del cameraman/ occhio
filmico, è da antologia. Se all’epoca questo film poteva sembrare fantascienza
pura, oggi in epoca di grandi fratelli e all news, sembra acqua passta, ma è
ancora utile a capire quanto si è sviluppata la morbosità della visione nella
nostra società. È immorale infiltrarsi e scavare nella vita altrui, controllarla
visivamente fino al cessare dell’ultimo respiro? Fino a dove possano osare le
telecamere?

In the Shadow of the Sun

2012-01-09T13:15:00.000-08:00

In the Shadow of the Sun di Derek Jarman, compendia i personage in enigma e cifre simboliche, ripresenta il pensiero di Jung, secondo cui l'alchimia é il punto di collegamento tra passato e futuro, gnostici e psicologia. Solo familiarizzando con l'alchimia si intuisce come l'inconscio sia un processo e come la psiche si modifichi o si sviluppi secondo la relazione dell'io con i contenuti dell'inconscio. Sintomatico é che il fine dello spirito negli oggetti e nella materia naturale é l'elemento che l'alchimia vuole disgelare. Riportabili de visu a Jung sono due immagini - codice, che ripercorreranno l'ultima fase, tipicamente jarmaniane: lo specchio e il mare. il primo come chiarisce Jung é una funzione dell'anima dell'uomo: non uno specchio, ma un frammento infinitesimale di uno specchio, lo stesso tipo di specchio che un ragazino alza verso il cielo aspettandosi che il sole venga accecato. Un tentativo di catturare l'anima, cime gli adolescenti che popolano i film di Jarman dotati di specchi o di altre superfici riflettenti. Il mare invece, simbolo dell'inconscio collettivo, é l'orto dove germogliano le visioni, con l'acqua in perenne movimento che oltre a registrare lo scorrere del tempo, armonizza i rapporti sensoriali.

Joe e Lucila...la formula magica del tango

2011-11-28T03:44:00.000-08:00

La leggerezza e la grazia di un movimento etereo che abbraccia la passione la sensualità di una dinamica energica ed esplosiva senza eguali. La performance di Joe Corbata e Lucila Cionci vista sabato notte, nel corso dell'Astintango Festival mi ha lasciato ammutolito. Un crescendo di pathos ed intensità tali da abbagliare le mie sensazioni tanghere, il palato forse già sazio ed avvezzo da oltre 14 anni di esibizioni, che rimane peró avido di fronte all'epifania di un universo tanghero che esplode, si frantuma in cristalli di bellezza assoluta.

Il primo tema, una delle più affascinanti esecuzioni di Di Sarli con Florio, era quasi un prologo, con la sua melodica onda sonora alla deflagrazione di energia dei due temi successivi. Osservare Joe e Lucila muoversi, in perfetta simbiosi, non significa assistere ad una delle spesso fredde esecuzioni del tango show, nella accezione più classica di questo termine, ma entrare direttamente in comunicazione con il loro cosmo. Un cosmo dove il maschile ed il femminile si compenetrano, dialogano nell'energia e nelle dinamiche del movimento, ma anche e soprattutto nella interazione fra le due anime. Quella rappresentata dalla grazia leggera di Lucila e l'altro lato della medaglia, la potenza ed il fuoco di Joe. Ma, ed é questo ciò' che rende unica la coppia, le due facce diventano una e si fondono interamente con il pubblico. Come se l'aura emanata dalla loro esecuzione invadesse l'intero spazio della milonga, del palco, del luogo della rappresentazione.

Ad Asti é stato assolutamente impressionante.

La location, una suggestiva ed incantevole chiesa sconsacrata dalle origini remote, ha ospitato un rito pagano, il tango che diventa danza ed epifania del movimento creatore di una rinascita corporea. I corpi che si inseguono e si ritrovano senza mai perdersi, le struggenti note del bandoneon, a volte leggere ed a volte gravi, disegnate direttamente in aria e sul suolo da Joe e Lucila. Tutto concorre a creare una sensazione unica, quella di entrare direttamente nel loro universo, condividerne per il tempo dell'esibizione i segreti e le passioni. Da tempo una performance non riusciva a coinvolgermi in tale maniera. O meglio non riusciva a stimolare anche riflessioni che trascendono i canonici spunti del mondo tanguero. Conosco Joe e Lucila da tempo, ma non ho mai avuto fino ad ora l'occasione per alterne vicende di gustarmi in pieno una loro esibizione. La mia voglia é stata appagata in pieno. Vedo nel loro tango un universo in continua evoluzione, una ricerca costante di nuove dinamiche e nuove sensazioni da trasmettere al pubblico, ma in primo luogo a se stessi, consci che da un equilibrio perfetto nella relazione di coppia deriva la loro magia. L'essere unici ed irripetibili nel panorama mondiale tanghero. Perché l'altro grande punto di forza di questi due grandi artisti é l'essere personali ed irriducibili fino all'osso. Joe e Lucila come due grandi alchimisti del tango con una formula unica della loro rappresentazione tanghera che é inafferrabile perché continuamente in divenire, in trasformazione perpetua, … ma solo loro ne conoscono il segreto.

Un segreto che pervade i nostri corpi durante la loro esibizione…breve nell'arco cronologico della durata temporale, persistente ed eterno nel ricordo e memoria delle sensazioni.

La sacralità ieratica di Rothko

2011-11-22T13:28:00.000-08:00

Mark Rothko nella sua cappella a Houston con i suoi oscuri pannelli monocromatici invita alla contemplazione. Fu impressionato profondamente dall'arte del Beato Angelico, probabilmente dalkla commovente e ieratica semplicità, dall'ardore mistico o dai colori luminosi, forse tutte queste qualità evocavano in lui un'eco di armonia poichè nei limiti di un linguaggio contemporaneo ed astratto anche l'arte di Rothko esala un senso di grave intento etico ed è esplicita nella sua convenzione piena di decoro e nello splendore del proprio colore solenne. Gli elementi materiali, come un combustibile miracoloso, sembra che si consumino nel processo artistico emanando una energia spirituale e purificata che si attribuisce la forma della luce. Lo spazio riesce quasi a trovare espressione simultanea in masse sospese e colori orfici nell'interno dei limiti di piani rigorosamente semplificati. Le masse amorfe di colore sfumano senza un chairo limite lineare stemperandosi dentro lo spazio di sfondo come se la struttura fosse intrinseca nella pennellata e non richiedesse più il sostegno di uno schema prestabilito di linee dinamiche e piani coloristici definiti. Si può usare la parola voodoo per definire il sottilemagnetismo dell'ultimo Rothko da neri e marroni di una potenza lugubre e maestosa.

La notte... o della prepotenza del paesaggio

2011-11-22T06:55:00.000-08:00

Non credo di amare i film di Antonioni per la trama o le interpretazioni seppur magistrali dei suoi attori. Ma la rappresentazione del paesaggio, il suo uso semantico e prepotente all’interno della narrazione ne fanno un unicum di un fascino senza tempo. Tra i film a cui sono di più legato c’è senza ombra di dubbio “La notte” pellicola del 1961 che vanta un cast a dir poco pazzesco: Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau, Monica Vitti. In questo capolavoro del regista ferrarese il paesaggio diventa quasi il motore degli animi dei protagonisti, ne determina le tensioni, i movimenti e più di tutto il marchio di fabbrica della produzione filmica, la celeberrima incomunicabilità. Architetture di vetro e cemento, acciaio dallo stampo futuristico trafigurano una Milano, gelida ed avara di sentimenti, che traspongono la vertigine del vuoto interiore degli uomini che la abitano. Il vagabondare diventa dispersione frammentazione, depotenziamento dell’esistenza .E realizzazione in pieno della disarmonia che deriva dalla noia di stampo moraviano. Un capolavoro dove l’alternanza dei vuoti e dei pieni realizzano la visione del regista e soprattutto la disillusione degli uomini che comprendono di essere un semplice corollario allo spazio. E neanche l’alba con la celebre scena dell’abbraccio dei due protagonisti cancellerà la visione pessimistica ed alienante della condizione umana secondo il vangelo di Antonioni. Non so se il film sia invecchiato bene. Forse alcuni lati filosofici riflettono dei dubbi e delle incertezze di chi doveva ancora affrontare le logiche del postmoderno. Ma la fotografia in bianco e nero, quella splendida di Gianni Di Venanzo e la colonna sonora del colto Gaslini, sconfiggono alla grande l’usura del tempo.

Blue... not only Blue

2011-10-11T09:57:00.000-07:00

Il progetto di Jarman su Blue era di certo più palpabile dopo che egli aveva ultimato The Garden e stava lanciando Edoardo II. Un breve preambolo ad introdursi in questo profondo ed abissale universo. Il blu può darti giramenti di testa, nausea, o ipnotizzarti, dipende dalla tua capacità sensoriale o dall´attitudine alla perdita di visibilità. Potresti dire che stai guardando l´oceano, il cielo, o l´interno delle tue palpebre. Il regista Derek Jarman, ammalato di AIDS sta morendo: la sua voce sembra assumere il valore di una sorta di testamento spirituale e di documento del suo modo di affrontare l´ultimo tratto della sua parabola esistenziale. Rivivono in queste memorie sonore, alternate a brani di musica vocale e strumentale, l´avanzare inesorabile del male, il tormento della retina che si sta distaccando e della visione deformata, lo squallore della degenza in ospedale, le trafitture della flebo, il ricordo degli amici morti per la terribile malattia prima di lui. Il tutto immerso in questo blu, in cui gallegginao ricordi, amarezze, gioie trascorse e rimpianti del cineasta. Un excursus sulla pazzia di Van Gogh lo trascina in una lunga disquisizione sul giallo, il colore preferito dal pittore suicida, confrontato con l´amato blu, che a poco a poco sembra assurgere ai colori ossessivi di una soglia iniziatica che porta al di là.

Following, il Nolan degli esordi

2011-10-11T09:52:00.001-07:00

Uno splendido bianco e nero che coniuga l´espressionismo classico al linguaggio estetico Dogma di Von Trier sottolinea le avventure di uno squattrinato giovane scrittore che cerca di trovare l´ispirazione perduta pedinando degli sconosciuti. La voglia di carpire i segreti più reconditi delle persone lo porta a seguire un soggetto fatale. Un ladro che lo fa sprofondare nel crimine fino a trasformarlo in un assassino. E non poteva ovviamente mancare un dark lady nel senso più classico del termine. Un noir postmoderno che lancia l´astro di Christopher Nolan e vuole essere uno spunto di riflessione su uno dei concetti più banali dell´esistenza umana: niente è ciò che sembra. Sebbene sia ovvio come precetto, molti ne cadono spesso vittima... lo spettatore tra questi. Following non puó mancare nella videoteca degli ultimi vent'anni

Ma ci siamo mai amati?

2011-10-11T09:50:00.000-07:00

Dopo gli anni feroci ed insanguinati denominati di "piombo" un tentativo di far dialogare intellettuali di sinistra e destra. Il ritorno in libreria di "C´eravamo tanto a(r)mati" segna un punto a favore dell´ormai stantia e stitica produzione saggistica italiana. Un volume che riporta una lunga conversazione fra Veneziani, Cacciari, Mughini e Malgieri, sulle impressioni e la weltanschauung che hanno affascinato i militanti di sponde opposte , forse mossi da una comune critica a quella che una volta si chiamava società piccolo borghese. Ma dove ha portato quel tentativo di tanti giovani di sfidare il cielo e le convenzioni, dopo sangue, odio e rancori postumi? Si è ottenebrato nel riflusso e nel consumismo di fine millennio, o continua ad essere vivo? E soprattutto esiste al di là di una spiritualità misticheggiante di stampo evoliano la voglia di destra di confrontarsi con la cultura e non soltanto con l´azione. Oggi, a distanza di anni pare la fotografia sbiadita di un´epoca anagraficamente distante anni luce, ma forse chiarezza su uno dei periodi più oscuri della recente storia italiana va ancora fatto.

Retromania... il fascino irresistibile del vintage culturale

2011-10-11T09:46:00.000-07:00

Simon Reynolds è semplicemente uno dei più grandi critici musicali rock di ogni tempo e con Retromania dimostra di essere anche un acuto conoscitore di tutti i media, dal cinema all´arte, passando per la moda ed il costume. Un saggio affascinante sulla tendenza e sulla seduzione esercitato dal passato, meglio forse chiamarlo in questa situazione, vintage sulle giovani generazioni. Mi sembra , tra le pagine, di ripercorrere in fretta la mia giovinezza, il richiamo irresistibile delle band e degli stili di vita che anagraficamente non ho potuto vivere , ma che tanto avrei desiderato. Nell´epoca del digitale e della frammentazione delle informazioni un testo che, nonostante la mole, scorre rapidamente , forse con un certo pessimismo di fondo. Ma credo che lo sguardo indietro dovremo sempre rivolgerlo. Che manchi nel presente l´originalità?

Comunque l´invito è correre in libreria e divorare subito questo libro, sperando che non manchi la voglia del contatto fisico con la pagina ...

Epigrammi pittorici di Walser

2011-09-25T11:17:00.001-07:00

Quasi un divertissement tra i grandi artisti del 1800 e non solo. Per lo scrittore elvetico Robert Walser i quadri dei suoi pittori preferiti sono una scusa per parlare di sé, del suo mondo, e delle proprie sensazioni.

Adelphi ne “Ritratti di Pittori”, ci regala un libretto da leggere in velocità, succulento perché tratta la materia da profano e non con astrusi cavilli interpretativi. L’Icaro di Bruegel o una Venere tizianesca generano un commento rapido e fulmineo, quasi un motto oraziano. Impressioni fugaci, ma non perquesto meno profonde.

Walser dimostra ancora una volta, se mai ce ne fosse bisogno che l’arte è davvero alla portata di tutti, basta solo riconoscerla e piegarsi ai suoi potenti tentacoli. L’importante ci dice l’autore è dialogare, come con l’Olympia di Manet cui scrive una lettera o con le forme plastiche di Cezanne che escono prepotentemente dalla cornice.

Sensazioni che mi rimandano ai tempi dell’università, anche se spesso non mi capitavano volumi divertenti e leggeri, o meglio leggiadri come questo.

Storia della Blue Note Records... quando la musica era parte di un altro mondo

2011-09-25T10:56:00.000-07:00

La letteratura musicale pullula di testi banalmente
biografici o tediosi elenchi telefonici con discografie e profili vari. È una
vera gioia imbattersi in un testo avvincente che si legge tutto di un fiato
riguardante la storia dell’etichetta per antonomasia del jazz mondiale.

“Blue
Note records. La biografia”, saggio di Richard Cook tradotto in italianao dai
tipi della Minimum Fax è uno spaccato temporale dell’America dagli anni ’30 fino
ai riflussi contemporanei. Una avventura, o meglio il sogno di due immigrati
tedeschi , Alfred Lion e Francis Wolff che a New York partoriscono una creatura
destinata a cambiare ed innovare la storia del jazz. Seguendo un istinto
personale infallibile, pubblicare soltanto la musica di proprio gradimento. Una
estetica quasi rock e punk per certi aspetti. Leggere questo volume vuol dire
imbattersi nella genialità dei tanti artisti che hanno inciso per la label, dal
mitico Thelonious Monk che inaugura la lunga sfilza di capolavori nel 1947al
pianismo sofferto ed appassionato di Bud Powell per passare ad un altro genio
del be bop, Fats Navarro. Aneddoti e segreti dei grandi musicisti e spaccati di
quotidianità sono mixati in modo suggestivo, con una narrazione che ha molto dell’andamento
cinematografico. E poi altre leggende, Miles Davis, Horace Silver, Milt
Jackson, Art Blakey. Nel passo introduttivo del testo si legge:

Le aziende non
hanno una loro mistica, le etichette discografiche sì: emana dalla copertine,
dalle fodere interne, dagli spessi dischi in vinile e dalla musica che viene
fuori quando li fai girare sotto una puntina. Qui vedremo come questa mistica
s’è formata e come sia durata fino ai giorni nostri. Oggi i dischi non portano
più etichetta. Il titolo e le altre informazioni vengono stampati direttamente
su dischetti d’argento prodotti da società gigantesche, la maggior parte delle
quali si comporta come se stesse vendendo cereali per la colazione o lucido da
scarpe. Non è mia intenzione essere nostalgico, ma quelli erano altri tempi,
davvero.

Davvero un altro
mondo, quello in cui non c’erano gli anonimi MP3 o i freddi cd, ma il caldo
vinile con le stupende copertine illustrate da grandi artisti. Forse
ripensandoci ho davvero nostalgia per quell’altro mondo.

Tobor experience...trip dal passato sci fiction

2011-09-09T01:26:00.000-07:00

Un grandioso mix di elettronica e funk che ci riporta addirittura indietro alla cosmic music ed a tutte quelle sonorità " spaziali" alla Alan Parsons.

Disco Experience, il debutto di Tobor Experience denota fin da subito una maturità sorprendente con quel fascino retro che avvolge prepotentemente le linee di basso. Come se viaggiassimo dentro un trip cinematografico che accavalla ricordi mai sopiti di certo trench touch fine anni'70, ma privo della superficialità di tanta cocktail music.

Affascinante la rilettura di un classico del duca bianco quale Station to Station. Il romanticismo della disco contemporanea? Da una etichetta quale la Bear Funk questo ed altro. E scoprendo che l'artista é italiano orgoglio doppio. Le sperimentazioni anche in Italia mostrano talento.

Siracusa Tango Festival 2011: in cerca dell'immortalitá tanguera

2011-09-05T10:45:00.000-07:00

Se penso al Siracusa Tango Festival mi sento travolto dalle emozioni, dai ricordi, dalla passione evocativa che coniuga il fascino del tango alla suggestione dell’Ortigia, ai profumi del mare e della Mediterraneità.

Sono già trascorse cinque edizioni per quello che, non solo io, considero uno degli eventi di riferimento nel panorama tanguero mondiale, e ciò nonostante ogni anno le sorprese non mancano, così come aumenta il numero degli aficionados. Vuol dire che gli organizzatori hanno lavorato bene, vuol dire che il pubblico conferma la bontà delle loro scelte, vuol dire che il calore della Sicilia, umanamente parlando, è davvero irresistibile. La milonga Zen ed il Castello Maniace sprigionano una potenza elettrizzante in grado di sciogliere perfino il tanguero più timido e scatenare l’irresistibile voglia di ballare e socializzare che è alla base del tango, per definizione appunto ballo sociale.

Il percorso artistico, didattico ed umano di Claudio e Barbara è straordinario, ormai sono al top a livello europeo e se lo sono vuol dire che la loro carriera è a prova di bluff. Serietà e tenacia abbinate a qualità e talento artistici hanno dato i loro frutti. Così come fondamentale è l’apporto di Fausto. Il suo contagioso “potere” aggregante indubbiamente caratterizza l’evento aumentando il tasso di internazionalità ed elevando il livello tanguero.

Ma il fenomeno Siracusa è ancora una volta la prova provata che se un Festival si avvale di un grande cast artistico e di una ottima organizzazione, oltre che di location splendide è destinato ad essere un successo. Le tre coppie di maestri hanno coperto un ampio spettro degli stili tangueri. Il Pajaro e Belen con la loro grande carica ritmica ed istrionica, Mario e Anabella, una seducente densità del movimento, Sebastian e Mariana, imperiali nella loro esecuzione di tango come arte assoluta. Sabato sera inoltre l’Ensemble Hyperion con le sue sublimi note ha trascinato in pista una folla indemoniata pronta a consumare la notte ed ogni stilla di sudore.

Ma ritengo che l’immagine più straordinaria sia quella del pubblico di Siracusa. Ogni anno puntuale, come un antico rituale che si nutre di arcani segreti, si scatena l’epifania del miracolo tanguero. 1400 persone che condividono non per un istante ma per ben dieci ore, le stesse sensazioni, la stessa musica, la magia di un ballo, di un’esperienza dove si cerca di ritrovare nel proprio partner del momento la medesima quota che si decide di abbandonare in un tango. Dalla consolle cerco di intuire i meccanismi di questa magia, ma è inutile…prende il sopravvento lo sguardo trasognato delle tanguere che si abbandonano in un romantico Canaro, o l’estasi ritmica di D’Arienzo, o il graduale scivolare della notte nella struggente alba dell’Ortigia. Il Castello Maniace è davvero un tempio emozionale del tango e credo che questa location sia da parte di Claudio un grande omaggio al popolo del Siracusa Tango Festival.

Naturalmente il web è invaso da video e fotografie che cercano di effigiare i ricordi e le sensazioni dell’evento. Ma i ricordi e le sensazioni più profonde credo rimangano dentro di noi, custodite nello scrigno della memoria. A prova della scalfittura del tempo. Ogni anno Siracusa rappresenta almeno per me un momento di intensa convivialità, dove ritrovare vecchi amici, parlare e cazzeggiare nel cuore della notte, godere intensamente del profumo delle zagare, del calore straordinario dei siciliani.

Ma quando vedo una pista piena alle otto del mattino con sguardi ancora desiderosi dell’ultima tanda comprendo il perché del successo di questa manifestazione. Al Siracusa Tango Festival ognuno è protagonista dell’evento perché comprende di aver partecipato con la propria tensione emotiva al groove della notte, a rendere indimenticabile e unica questa kermesse.

Spesso si dice in un tango la vita… ma forse se al Siracusa Tango Festival balliamo tutta la notte senza fermarci vuol dire che cerchiamo l’immortalità, tangueramente parlando.

Panico nella banalitá della violenza

2011-09-05T09:42:00.000-07:00

Spesso nelle storie apparentemente banali si annidano drammi e violenze. Non fa eccezione Panic del regista americano Henry Bromell che annovera nel cast anche un mostro sacro del calibro di Donald Sutherland. Una pellicola priva di maniaci ed accelerazioni parossistiche ipertrucide, ma grazie a lunghi silenzi e campi lunghi tipici di tanta iconografia classica made in USA crea una tensione crescente che inevitabilmente sfocia nel dramma.

Tema dominante l'omicidio su cui si intrecciano i rapporti tra nonno e nipote. Il primo é stato un killer prezzolato che ha trasmesso i segreti del mestiere di famiglia a suo figlio che, stanco del logorio di questa professione sui generis é andato in analisi. Un ritratto di famiglia dall'interno, inconsueto e per questo affascinante che dimostra come spesso il male nasca e si nutra dell'assoluta normalità.

Un film da recuperare, girato in tono minore ma non dimesso . Poetico nel minestrone volgare di tanta produzione contemporanea a stelle e strisce.

Tokyo Fist... geniale

2011-09-05T04:09:00.000-07:00

Un rampante agente assicurativo di Tokyo trascorre una esistenza ordinaria incentrata sui ritmi lavorativi e sul rapporto con la sua fidanzata Hizuru con cui vive. Casualmente mentre assiste ad un incontro di pugilato si imbatte in suo vecchio amico del liceo, Takuji, diventato pugile professionista, ma cerca di evitarlo a tutti i costi. Poco tempo dopo al lavoro lo incontra e resta sbalordito della familiarità e complicità che il compagno ha con la sua fidanzata. Il tarlo della gelosia si insinua in lui e ritenendosi vittima di un tradimento, é pronto a sfidare in un incontro all'ultimo sangue Takuji.

Una stupenda parabola sul Giappone contemporaneo, dove la società ipertecnologica si contrappone ad una realtà sotterranea ancestrale, fatta di impulsi primari, vitali ed ancestrali. Si potrebbe definire un romanzo di formazione al rovescio dove il protagonista é costretto a scendere nel mondo del suo antagonista, cambiare la sua Weltanschauung rinascere a nuova vita. Il suo corpo grazie alla boxe, deuteragonista della pellicola al pari di una livida Tokyo, si scrolla una pelle stantia ed apatica, indolente nella sua perfezione, e grazie alla sofferenza, ai lividi ed al dolore somatizzato diviene una corazza.

Uno scontro di civiltà che sceglie come arena la futuristica ed allo stesso tempo medioevale capitale nipponica, presagendo il dramma che attraverserà questa società negli anni seguenti.

Memento , Il labirinto della memoria by Nolan

2011-09-04T02:12:00.000-07:00

Un gioco affascinante fra labirinti temporali, immagini che si rincorrono e frammentano il plot narrativo. Una trama quasi nulla che si avvicina al noir ma, sembra perdere man mano che si susseguono le scene la propria memoria. E questo esercizio stilistico coinvolge sia il protagonista, un bravissimo Guy Pearce, che lo spettatore.

La trama, se di trama si può parlare, narra di un uomo misterioso che sfoggia abiti firmati e guida lussuose auto girovagando peró tra anonimi motel, inseguito da uno tipo nell'ombra che ne controlla le mosse. Ma anche lo stesso Leonard, questo il nome del protagonista, cerca in tutti i i modi di segnare ogni sua minima azione, appuntandone i contenuti o scrivendoli sul proprio corpo a guisa di una ancestrale body art. La risposta deve essere tutta nella sua mente, che peró dimentica in fretta, cancellando di colpo ogni ricordo e costringendo all'iterazione.

Un puzzle che va costruito nel presente da integrare con fatica attraverso i tasselli del passato. Christopher Nolan, il regista diabolico di questo film di fine millennio, schiavizza lo spettatore all'immagine ed alla narrazione avvitandolo in una lettura alquanto ardua. Lo sforzo mnemonico come sintassi necessaria a scardinare una trama sulla superficie esile , ma nel profondo densa, ed occultante un torbido segreto.

Ricordare per non dimenticare.

Veritá molto nascoste

2011-09-04T02:11:00.000-07:00

Il passato spesso non é solo un fantasma ingombrante, ma una presenza ossessiva in grado di spedire in paranoia una coppia apparentemente solida quale quella formata dai due protagonisti de Le Veritá nascoste, Harrison Ford e Michelle Pfeiffer.

Con questa pellicola Robert Zemeckis omaggia in maniera forse fin troppo esplicita il maestro Alfred Hitchcock. Il passato che ritorna in maniera sotterranea come fantasma che man mano é sempre più evidente, frulla in un sol colpo capolavori quali Psycho, La finestra sul Cortile ( con la Pfeiffer che spia la vita di una coppia che abita di fronte), il Sospetto, mentre le reincarnazioni della donna misteriosa evocano il fantastico Vertigo.

Gli spazi della visione, i campi stretti ed ossessivi, gli isterismi della coppia funzionano come nel maestro Alfred per irretire lo spettatore, sconvolgerlo, renderlo sempre più fragile ed asservirlo alla logica del thriller. Un magnifico esercizio di stile: se la protagonista nella sua maniacalitá, raccoglie prove, fa deduzioni e codifica, lo spettatore a breve distanza itera le mosse, i tradimenti, le cadute di stile.

Ma chi emerge in questo film come dominatrice della scena é la casa, un vero e proprio regno dello spirito e delle contraddizioni che sembra animarsi e nei suoi angoli, nei suoi specchi e nelle visioni deformanti é la palestra dove realtà e fantasia, protagonisti e fantasmi scatenano un agone senza eguali.

Sergio Chiaverini, l'impeccabile lettura sonora del piso

2011-09-03T03:06:00.000-07:00

Molti ritengono che per musicalizzare sia un grande vantaggio ballar bene. Si intuiscono perfettamente i gusti dei ballerini e si anticipano i gusti e le esigenze della pista.

Se questa tesi é valida allora Sergio Chiaverini parte con un grande vantaggio, difficilmente colmabile da molti altri. Lo ritengo uno dei migliori tangheri presenti in Italia. Basta solo vedere come esegue il giro, un fondamentale che neofiti tangheri venuti su negli ultimi anni a pane e volcada, merenda e colgada ignorano beatamente (impunemente?), per capire che conosce il tango come pochi. Forse proprio per questo se ne infischia da pseudo mode e ridicole tendenze, e vive l'universo tango da appassionato in modo straordinario al pari della sua partner Francesca.

Ma il talento di Sergio si esprime oltre che in pista al meglio anche in consolle, con una direzione orchestra eccelsa.Un ritmo serrato e mai monocorde che lega in un pentagramma affascinante ritmica e melodia, lirica e pathos, coprendo in un ventaglio più ampio possibile le possibilità dello scibile tanghero. Ogni orchestra, al pari di un tassello imprescindibile in una costruzione armonica, trova spazio nella sua selezione, da D'Arienzo a Pugliese passando per Caló e Donato. Nessuna é trascurata.

Autentiche gemme sono le sue tande di milonga . Ma qui Sergio gioca sul velluto perché la sua passione per questa "specialità" é evidente, e la trasmette a tutta la sala. Spesso mi chiedo come faccia a resistere in consolle… dovrebbero forse creargli una minimilonga personale a ridosso della sua postazione dove consumare la traccia ballando. ma forse il suo pudore tanghero e rispetto del pubblico glielo impedirebbero, consapevole del ruolo del musicalizador, ovvero il demiurgo che genera l'energia del compas.

Ed in questo Sergio é un vero guru.

Blow...the American Bad Dream

2011-09-03T02:40:00.000-07:00

Da semplice "spinellomane" a leggendario trafficante di cocaina negli USA dei seventies. Piu'che la biografia di George Jung ( interpretato magistralmente da Johnny Depp) il ritratto dell'evoluzione della società americana, il sogno di libertà e le rivendicazioni giovanili, le droghe come ribellione ed infine fondamenta della criminalità.

Il film di Ted Demme é un riuscito ritratto divertente e spietato del sogno americano a rovescia. qui il self made man é un delinquente e la storia non é altro che l'ascesa di un re del traffico di polvere bianca. Dalla California dorata dei surfisti e delle ragazze in costume si passa alla cupa e famelica america reaganiana dei primi '80. A metá tra lo Scorsese della maturità e líperrealismo di "Quei Bravi ragazzi", lo spettatore scivola in un'atmosfera cupa e plumbea che sottende una discesa negli inferi e soprattutto nella polvere del protagonista, vittima dei suoi stessi amici che gli si ritorcono contro. Insospettabilmente convincente nella recitazione anche Penelope Cruz, attrice da me non stimata particolarmente.

Forse non sarebbe guastato un filo di tensione in più ed un ritmo talvolta più serrato, ma certo Ted Demme non é Scorsese.

Sul rogo delle veritá

2011-09-03T02:39:00.000-07:00

Forte é il confronto con il capolavoro di Dreyer "Dies Irae". Ed anche in Gostanza da Libbiano di Paolo Benvenuti siamo nel territorio circoscritto del cinema come arte. O meglio cinema allo stato puro ed incontaminato che attraverso geometrie delle immagini e rigore di inquadrature avoca una potente riflessione introiettavi. Una riflessione ed un viaggio all'interno delle dinamiche del potere che attraverso il canovaccio del processo alla stregoneria rivolge un j'accuse all'inquisizione condotta dall'arroganza e dalla cieca superiorità di chi ritiene di detenere la unica ed incontrovertibile verità. Al di lá del rogo e dell'ammissione di colpa una discesa senza ritorno dentro gli abissi che si celano nell'animo umano.

Punto Y Branca... ogni ascolto crea emozioni diverse

2011-09-01T03:29:00.001-07:00

Un grande talento in grado di creare una dimensione sonora in cui tutto ciò che si é sentito emoziona come al primo ascolto.

Un mix di presenza scenica e classe dove anima e corpo sono equilibrati sfoggiando una cultura musicale sopraffina.

Cultura non sterile erudizione.

Punto y Branca, o meglio l'amico Jorge ci regala ogni volta in consolle le sensazioni di vivere la magia del tango, le sue atmosfere che rendono unico questo universo. Chiamarlo ballo o danza sarebbe riduttivo. Sia nella programmazione classica che nelle serate Gotan, un pioniere in Italia in questo senso, emerge il lavoro certosino di chi non lascia nulla al caso, ma che usa il suo gusto, la sua sensibilità come un sensore per recepire gli umori del pubblico e modellare il modo sonoro.

Il groove al pari di una grande highway dove vivere le esperienze tanghere. Ballare o semplicemente ascoltare. Non importa. Credo che Jorge voglia lanciare al pubblico, che giustamente lo adora, un messaggio: il tango va vissuto.In tutta la sua interiorità, nelle sue contraddizioni forse, ma mai privandosi della sua seduzione.

Un vero artista, forse pochi lo conoscono in questa dimensione… ritengo che il mondo del fumetto con le gloriosi pubblicazioni della Topolin debbano molto a Jorge.

Un vero artista anche perché discreto e se pone innanzi la sua arte rispetto alla sua persona, non é per falsa modestia, ma perché … al compas signori, non si comanda!

La follia si annida in un condominio

2011-08-30T05:24:00.000-07:00

Uno dei luoghi che più scatenano la follia del genere umano civilizzato ed occidentale, se non europeo. Il condominio. É attorno alle gelosie, alle follie, all'irrazionalità degli abitanti di un grottesco condominio spagnolo che si dipana l'ora e mezza de La Comunidad, un giallo noir folle dell'iberico Alex de la Iglesia. Tutti insieme appassionatamente alla ricerca un bottino che un agente immobiliare trova nascosto nelláppratamento di un defunto, scatenando atmosfere che intrecciano Hitchcock con il più che ovvio da queste lande Almodovar. Claustrofobico ma geniale, sostenuto dalla performance di una grandissima Carmen Maura alterna momenti drammatici con ironia risultando forse il vero ed unico capolavoro di Alex de la Iglesia , regista secondo me sopravvalutato.

Lo specchio della vita, ovvero il Meló nei canoni di Douglas Sirk

2011-08-30T05:22:00.000-07:00

Ogni tanto mi capita di imbattermi nei miei tour cinefili nella visione dei grandi meló di Douglas Sirk. Tra questi il mio preferito in assoluto rimane "Lo specchio della vita", un titolo che é davvero la metafora della sua produzione cinematografica e soprattutto evidenzia l'oggetto che più di ogni altro rappresenta la sua cifra stilistica: lo specchio.

La chiave di lettura di quel sottile gioco dei rimandi per cui i personaggi si costruiscono uno spessore per apparire, cercando di nascondere quello che sono realmente. Gli specchi sono i confini di un mondo che opprimono i personaggi, una serie di porte chiuse che delimitano un'arena da cui é impossibile fuggire. Anche per una donna affascinante e di classe, impellicciata ed ingioiellata quale Lana Turner. Sirk firma con una regia di gran classe, il rincorrersi in parallelo dei destini di due donne sole che lottano per migliorare la propria esistenza e quella delle rispettive figlie, formando un atipico nucleo familiare.

Maschilismo, riscatto sociale, arrampicata sociale, razzismo, in questo film Sirk mette a nudo il lato oscuro della società americana, le sue contraddizioni che frenano quello che una volta si chiamava American Dream. Il tutto senza rinunciare al confronto fra passione e sentimento, nel rigore del movimento.

Perché come diceva lo stesso regista: " Qui la cosa principale é la macchina da presa. Perché c'é emozione nel film. Il movimento é emozione, in un modo in cui non può mai accadere in teatro".

Jennifer...il vortice della follia

2011-08-26T03:19:00.000-07:00

Un misconosciuto eppure geniale noir italiano degli anni'70 con una superba Edwige Fenech.

Essenziale, rapido, con un ritmo da far invidia a ben più blasonate pellicole prende il titolo da un verso del poema Ossian. La trama é un classico di quegli anni: una modella va a vivere con una collega in un condominio dove gli inquilini sono vittime di un maniaco, ed addirittura nell'appartamento dove qualche giorno prima é stata assassinata una mulatta. Il passato torbido ritorna prepotentemente nella vita di Jennifer (Fenech) attraverso un suo vecchio fidanzato a capo di una setta dedita a riti orgiastici. Questi la perseguita con pesanti avance e non si rassegna neanche quando la modella lo rifiuta essendosi innamorata di un altro uomo che, casi della vita, é l'architetto che ha progettato il condominio. Dopo l'omicidio dell'amica e coinquilina di Jennifer, i sospetti cadono prima sul suo vecchio amante, e successivamente sull'architetto ( con la fobia del sangue) ma la realtà sarà ben diversa. Finale improvviso con ricchi colpi di scena.

Psicologicamente il thriller regge il gioco, grazie ad un'ambientazione indovinata, gli spazi claustrofobici dell'appartamento e le penombre create ad arte con i giochi di luci., senza voler trascurare una splendida colonna sonora firmata da Bruno Nicolai, un leit motiv ossessivo ed ipnotico fonte di ispirazione di tanti noir tricolori a venire. Naturalmente non manca un doppio filo conduttore che sotterraneamente, ma neanche troppo dominerà la scena cinematografica del genere: tare psichiche/deviazioni della personalità e sessualità ostentata. Ma su quest'ultimo punto dobbiamo ricordarci che siamo in un decennio, gli anni'70, dominati dalle voglie di liberazione ( sessuale, costumi, istituzioni e convenzioni pubbliche e private) e da una grande violenza ( soprattutto all'esterno). L'introduzione di alcune figure "trasgressive"per la società del tempo, servono anche ad introdurre alcuni luoghi comuni ed una certa retorica piccolo borghese. Il fotografo omosessuale interpretato da Oreste Lionello, presso cui lavorano le due modelle, queste ultime simbolo di una troppo repentina emancipazione dei costumi, sono viste dalla società come corruttrici della morale specialmente dalle persone più anziane. Inoltre il regista inserisce un altro tema che costituirà un filone a parte, ovvero il saffismo con il rapporto ambiguo tra la figlia del violinista e la protagonista.

Giallo godibilissimo che ci fa riflettere su come nel passato con mezzi ridotti si riuscivano a confezionare piccoli capolavori di cui la nostra cinematografia contemporanea ne é ormai priva, asservita alle logiche del politically correct, del cinepattone e dell'impegno sociale radical chic.

Traffic... Nashville alla coca!

2011-08-26T03:17:00.000-07:00

La visione corale di Nashville virata nel mondo del narcotraffico. Steven Soderbergh firma con Traffic un affresco grandioso di un'America corrotta, avvinghiata nei suoi miti e nei suoi riti agli stupefacenti ed alle logiche dello spaccio.

Il film si snoda sulle storie in parallelo di vari personaggi, un ottimo Michael Douglas nei panni di un giudice della Corte Suprema che entra nei gironi infernali dove vive sua figlia tossicodipendente, due poliziotti messicani, due agenti della DEA ed una moglie di un gangster ( grande Catherine Zeta Jones). Lo spettatore vaga dal sole di Tijuana alle ville di San Diego, passando per le buie aule del tribunale e delle stanze del potere di Washington. Trait d'union la lotta alla droga che coinvolge tutti, sia in pubblico che in privato, con il saghe dei cartelli che si mischia a quello delle famiglie, e scorre a fiumi.

Finale che per una volta tanto, mette al bando eufemismi e happy ending. Se ne sente ogni tanto il bisogno di film dove si intrecciano multistorie, multipiani narrativi e vite intrecciate.

Un pó troppo lungo, ma si lascia vedere.

Desertshore... anagramma per capolavoro...

2011-08-26T03:15:00.000-07:00

La voce algida e mitteleuropea di Nico ha attraversato come una cometa irraggiungibile la scena artistica per un trentennio. Musa di Andy Warhol, modella nei primi '60, voce dei seminali Velvet Underground ed in proprio con splendidi album negli anni'70.

Una donna di una bellezza rigorosa e severa, aliena dalle meschinità quotidiane che ha regalato alcune fra le canzoni più significative della storia del rock, Femme Fatale, All Tomorrow's parties… Desertshore, del 1970 é la prova di maturità della cantante che accompagnata dal genio di John Cale, dá libero sfogo a tutte le sue pulsioni, nevrosi ed angosce esistenziali. Il brano di apertura, Janitor of Lunacy é una litania ipnotica e messianica che scava in profondità nei recessi più nascosti dell'animo di Nico, mentre My only child sembra fuoriuscire dai repertori della musica d'avanguardia della seconda metá del XX secolo. Siamo nei territori di Meredith Monk, Joan La Barbara, musica cameristica disegnata dalla canto a cappella.

Un lavoro, Desertshore, che mette i brividi, come se le musiche , le parole, il respiro, provenissero davvero dall'inconscio o da un'altra dimensione. Un incrocio fra musiche occidentali e sonorità orientaleggianti precursore con vent'anni di anticipo di tanta new age o world music di fine millennio. Nel deserto dei sentimenti e delle passioni una oasi di salvezza dove riconciliarsi con l'esistenza attraverso la musica, provando un sottile piacere crogiolandosi in una algida malinconia.

Desertshore, anagramma per capolavoro.

Da Aristotele a Spielberg, interdisciplinare viaggio di Julio Cabrera

2011-08-26T03:12:00.000-07:00

Julio Cabrera, professore di Filosofia Contemporanea all'Università di Brasilia, ci offre con "Da Aristotele a Spielberg" edito da Mondadori un interessante excursus tra le innumerevoli intersezioni tra il mondo dell'immagine e quello della riflessione filosofica, due universi con straordinari punti di tangenza.

L'autore sostiene la tesi secondo cui il cinema, senza distinzioni di generi, di autori, di stile, può essere valutato una forma di pensiero e riflessione filosofica, in cui l'emotività gioca sempre un ruolo decisivo. Anche in quelle pellicole che per antonomasia sono definite "intellettuali" come Deserto Rosso di Michelangelo Antonioni o il Godard di Detective. Lungi dall'imporre le categorie estetiche del bello e del brutto e di classificare i film in base a facili gabbie concettuali, Cabrera ci suggerisce un approccio inedito.

Ogni grande pensatore ha avuto un ruolo determinante sui registi e sulle pellicole e molti sono gli autori filosofici. E gli esempi non mancano. Dal Cacciatore di Michael Cimino con spunti platonici a Hegel che si manifesta nel Wenders di Paris Texas, perfino l'impegnato Sartre fa capolino in Thelma e Louise. Per non parlare di Bunuel, Tarantino e Frank Capra, filosofi più che registi.

Mediterranean Summer Tango Festival, ...love parade tanguera in Croazia

2011-08-25T10:06:00.000-07:00

I'm yours. Il brano di Jason Mraz, scelto dai ballerini argentini per il ballo collettivo, mi ossessiona la mente mentre scrivo queste impressioni sulla seconda edizione del Mediterranean Summer Tango Festival.

A Porec si é rinnovata la magia di una kermesse che coniuga il fascino del tango, la sua irresistibile seduzione che intreccia musica e movimento, con la pura energia dello spirito rock. Come se qualcuno cercasse di organizzare una Woodstock tanguera, o per restare ai giorni nostri una Love Parade al 2x4. CI vuole la geniale follia creativa ed il talento di Zrinko & Tajana e del loro magico staff per fare del MSTF un appuntamento incredibile. Un happening tanguero dove le performance degli artisti, tutti giovani e straordinari, si alternano con un programma di milonghe serali e pomeridiane, momenti di svago e dulcis in fundo la magica gita nel blu dell'Adriatico, il Boat Trip che per tutto un pomeriggio libera la voglia di divertirsi del pubblico internazionale che raggiunge Porec.

Complice l'estate ed una irripetibile alchimia tra artisti, staff e pubblico, in questa meravigliosa località della Croazia assisto all'epifania dello spirito tanghero. Quello libero da ogni compromesso, da ogni dogma, da ogni preconcetto verso l'altro, dove la voglia di ballare, solo questa, ha il sopravvento sullo snobismo di chi ritiene sempre di essere superiore agli altri e detenere la verità tanghera. Gli innumerevoli album di fotografie che hanno affollato Facebook e Flickr hanno come unico comune denominatore il sorriso e lo sguardo sereno di chi ha partecipato a questa manifestazione. Consapevole di poter condividere le emozioni del tango attraverso il linguaggio universale del corpo, che si muove al ritmo ed al compas delle grandi orchestre.

Quando penso a tanti eventi ingessati e rigidi, ho il conforto di un festival dove i maestri si integrano con il pubblico scherzando e trascorrendo i momenti della giornata, dai bagni in piscina alle cene nel pantagruelico buffet del Valamar. La location delle milonghe pomeridiane, non poteva che essere una pista a bordo piscina, mentre quelle serali un moderno e condizionato palazzotto dello sport, arredato come un vero e proprio Lido attrezzato. Zrinko & Tajana infatti hanno disseminato ai bordi del parquet, oltre ai consueti tavoli e sedie anche ombrelloni e sdraio, il tutto a rendere più giocoso e festoso il MSTF. Come detto in precedenza anche i maestri hanno contribuito a dare un clima speciale a Porec. Forse perché giovani ed inconsciamente proponessi a prendersi poco sul serio hanno davvero regalato un pieno di emozioni a tutto il pubblico. Fernando y Ariadna, straordinari nel loro talento e purezza cristallina di movimento, Rodrigo ed Agustina che interpretano un tango salon ritmico ai massimi livelli, con eleganza e compas, Bruno e Mariangeles… la loro grande empatia con il pubblico, uno stile assolutamente unico che li rende per questo eccezionali, Martin e Maurizio che hanno offerto con la loro istrionica performance una zampa da brividi che ha tirato giù scroscianti applausi.

E poi The Boat Trip, entrato ormai nella leggenda. Niente tango ma solo un viaggio attraverso la musica dance degli ultimi 30 anni per accompagnare un viaggio nel Mediterraneo da Porec a Rovigno, andata e ritorno. E come intermezzo, il tuffo a metá viaggio dalla barca per contrastare la calda estate croata.

Ho la nostalgia che già mi attanaglia, consapevole che dovrò aspettare un altro anno per rivivere queste magiche atmosfere. Ma basta pensare al MSTF per sentire ribollire nelle vene il feeling con il pubblico. Una moltitudine di giovani dalla Croazia, da Belgrado, da tutta l'Europa e da ogni angolo più remoto del globo con la voglia di consumare il pavimento fino all'alba. E realizzare con il sole già alto, alle sette del mattino, che la passione del tango non stanca mai.

Non stanca soprattutto Zrinko & Tajana che sono sicuro già stanno lavorando per stupirci nell'estate del 2012!

Porec, l'epifania del sogno tanghero.

Marcelo Rojas: l'anima del tango si diffonde per il mondo

2011-08-25T02:20:00.000-07:00

Ascoltare le selezioni di Marcelo Rojas, la sua voce profonda con l’accento tipicamente porteno annunciare l’orchestra della tanda seguente, vuol dire davvero tuffarsi nell’atmosfera del tango più puro.

Il suo modo di condurre una serata è davvero impeccabile, liturgico, con la stessa solennità di una messa di mezzogiorno in una festività. Ringrazio il Roma Tango Meeting per avermi offerto la possibilità di gustarmi in pieno le Sue scelte musicali. Tutto filava alla perfezione come un orologio svizzero: classici affiancano orchestre e versioni meno frequentate, ma si capisce lontano un miglio che siamo nel campo di un grandissimo talento che non fa ricerca ma che ha il punto di forza in una spontaneità che solo Lui riesce a mostrare. Qualcuno potrebbe obiettare che è ovviamente a causa della grande esperienza in consolle oltre che le frequentazioni radiofoniche, eppure conosco anche io musicalizador che accumulano serate su serate senza ottenere lo stesso effetto.

Osservando la gestualità ed ascoltando la comunicazione di Marcelo, comprendo anche quanto sia ridicolo il solo pensare di poter scimmiottare un signore della consolle di questo livello. Basta solo la pronuncia del nome dell’orchestra a smentire quanti vogliono con cadenze improbabili ricreare le stesse atmosfere delle milonghe di Buenos Aires. Inoltre in Marcelo è unica la capacità di gestire il ritmo della pista. Quel battito straordinario che accomuna tutte i tangueros presenti in milonga accomunandoli in unico corpo in movimento. Impossibile davvero star fermi. L’ho provato sulla mia pelle. Dal Troilo strumentale a quello con Marino, dal D’Arienzo / Maure al D’Arienzo / Echague ogni sequenza suonata pare essere un postulato, ovvero il momento ideale all’interno dell’economia di una serata non può che essere quello scelto da Marcelo.

La grandezza di Marcelo? Sono le sue selezioni a parlare per Lui, in ultima sintesi la musica, ovvero la magia del tango.

I fiumi di porpora

2011-08-25T02:19:00.001-07:00

Il regista francese non é più riuscito a raggiungere i livelli qualitativi del suo folgorante esordio, "L'Odio". Ogni volta mi sono illuso che potesse toccare nuovamente quelle vette. Per carità la regia é sempre dignitosa, ma manca quella voglia di osare e rompere le convenzioni, essere volutamente sgradevole che ha caratterizzato quella storica pellicola che ha registrato il debutto tra l'altro di uno strepitoso Vincent Cassel nei panni di un piccolo criminale ebreo. "I fiumi di porpora"sono un onesto thriller che si reggono sul buon mestiere del regista, su una storia interessante e su un gigionesco Jean Reno, il miglior attore transalpino contemporaneo, altro che il pompato, in tutti i sensi, Gerard Depardieu. Kassovitz costruisce una prima parte avvincente quando si punta sul mistero, ma purtroppo il lo svolgimento ed il banale finale riesce a compromettere tutto. Insopportabile il grottesco ed ovvio confronto generazionale fra i due poliziotti che dovrebbe creare tensione ed invece finisce per essere involontariamente ridicolo. Quando si dice , molto meglio il romanzo… ed allora recuperiamolo in libreria il lavoro omonimo di Jean Grangé.

Leggendario Road Movie al femminile: Butterfly Kiss

2011-08-25T02:10:00.001-07:00

Quando
si pensa al cinema arrabbiato, inevitabilmente si attracca dalle parti della
perfida Albione. Eunice,una assassina sadomaso psicopatica attraversa
l'Inghilterra in lungo e in largo facendo fuori cassiere e benzinaie nei più
squallidi distributori. Dopo aver chiesto di comprare un disco di canzoni
d'amore e domandato alla vittima di turno se si chiama Judith, puntualmente la
finisce massacrando senza pietà il cranio con il primo corpo contundente a
portata di mano. Il rituale, grottesco ed insensato, viene reiterato per un
numero imprecisato di volte, fino a quando non si imbatte in una vittima,
Miriam, che soggioga psicologicamente e con cui instaura una relazione lesbica.
Le due proseguono nel loro folle viaggio omicida fino a quando Eunice non
chiede di darle la prova suprema del proprio amore, ovvero ucciderla. Una
storia nerissima questa di Butterfly Kiss con cui il regista Michael
Winterbottom disegna una sorta di Thelma & Louise portata all'estremo dove
tutti i luoghi della perdizione si liquefanno nel non luogo per eccellenza, la
strada, dove si muovono come due oscure giullari portatrici di morte le
protagoniste. Dal film traspare un'aria gelida dovuta forse al fatto che non
emerge una condanna lampante dei gessi, né da parte della società, né dalle
altre figure incontrate lungo il cammino. Winterbottom ha uno sguardo quasi da
entomologo che al microscopio osserva e studia, senza dare giudizi di merito, i
comportamenti degli insetti o di altri animali "naturalmente
assassini". Altro particolare inquietante, la mancanza di una
giustificazione sulle azioni: non ci sono traumi infantili o shock del passato
che ritornano, le uniche tracce sono dei segni di sofferenze corporali sul
corpo di Eunice ( piercing, tatuaggi, cicatrici). Un film sul delirio
sadomasochista, in questo risiede il fascino di Butterfly Kiss. I deliri da
vittima sacrificale di Eunice si riversano oltre che sul proprio corpo su
Miriam, costringendo la compagna a svolgere una serie si azioni amorali ed
efferate. La complicità sessuale tra le due donne é assolutamente priva di ogni
calore e serve ad alternare gli scambi di posizione tra carnefice e vittima, padrone
e sottomessa. Un film duro e spietato che non offre autocompiacimento allo
spettatore e che comunica come spesso il male lo si ha come dote "di
natura".

Luigi Felisatti, James Bond in consolle

2011-08-23T00:19:00.001-07:00

Un signore in consolle, che regala perle musicali durante le sue selezioni.

Luigi Felisatti é in primis un grandissimo conoscitore e collezionista di tanghi. Conversare con lui, vuol dire scoprire i segreti delle orchestre storiche, ma anche di quelle "minori", addentrarsi nei segreti di Osvaldo Pugliese come di Carlos Di Sarli.

Ma non siamo nel campo del nozionismo fine a se stesso. Né del piglio di chi tratta il pubblico come un gregge da essere istruito o da trattare con superiorità. Quanti frequentatori di milonghe e quanti neo dj devono essere grati a Luigi Felisatti, soprattutto alla sua generosità, ed alla sua intelligenza che non teme di rivelare i titoli e la paternità di tanghi affascinanti e magari poco frequentati, sapientemente suonati , in maniera parca, come perle che si devono dosare, e non affastellare come un campionario vuoto ed illogico di chicche da sciorinare per dimostrare agli altri il possesso di una collezione unica, piena di introvabili. Ma ha senso parlare di pezzi introvabili nell'era del web, del file sharing, di emule? Piuttosto si potrebbe parlare di cd introvabili, o meglio di vinili che Luigi detiene, custoditi come un grande vino d'annata, evocando in chi come me ha profonda invidia nel non annoverare nella propria discografia alcuni originali cd della serie Disco Latina.

Trovo semplicemente straordinario in Luigi la costruzione con un climax pieno di pathos delle tande di autori quali Osvaldo Pugliese, Alfredo Gobbi, o il favoloso Anibal Troilo con Alberto Marino. Ricordo chiacchierate sul Sexteto di Di Sarli nel lontano 2000 - 2001, o sull'ultimo D'Arienzo. Devo molto a Luigi, al suo essere un classico al di lá delle mode, precursore in Italia di grandi orchestre contemporanee in anticipo sui tempi. Ho ascoltato infatti nelle sue selezioni per la prima volta nomi del calibro di Fernandez Fierro ed Escuela di Tango con Emilio Balcarce. Consiglio a tutti di ascoltare e di ballare sulle musiche scelte da Luigi Felisatti, sempre diverse di serata in serata, ma all'insegna di una grande classe.

Si dice spesso che il dj é fondamentale nell'economia di una milonga. E nel caso di Luigi mai tale frase é così appropriata.

Killing Zoe, Manierismo tarantiniano

2011-08-23T00:16:00.000-07:00

La droga come sintesi di tutti i rapporti umani, dal sesso all'amicizia, dall'azione alla riflessione.

Roger Avary, già sceneggiatore di Pulp Fiction ed amico d'adolescenza di Sir Quentin, firma con Killing Zoe, un omaggio in puro stile tarantiniano al cinema di genere americano ed ai b-movies degli anni'70. Certo, non ha le grandi soluzioni narrative ed i dialoghi strepitosi del film cult di zio Quentin vincitore della Palma d'Oro a Cannes nel 1992, ma le buone idee non mancano. Ed oggi che abbiamo finalmente digerito l'impatto storico dell'irruzione di Tarantino nella scena cinematografica mondiale possiamo dare un giudizio più freddo e distaccato su Killing Zoe.

Un buon film. Con una buona suspense, forse cercata a tutti i costi, ma di un certo impatto. Il protagonista Zed, arrivato via pacco aereo da Los Angeles a Parigi, ricorda tanto metaforicamente la discesa di Pulp Fiction a Cannes, cerca il suo storico amico d'infanzia Eric , ma si lascia subito tentare da una avventura con una prostituta, Zoe. Avventura interrotta bruscamente dall'entrata in scena del suo vecchio compagno nella stanza d'albergo. Una mossa che scatena una odissea notturna tutto sballo, droghe ed alcool con l'improbabile idea di rapinare una banca. La sgangherata batteria di criminali improvvisati si maschera e irrompe nell'unico istituto di credito aperto il 14 luglio. Un progetto maldestro, così come sciagurata ed avventata la decisione di uccidere quattro persone dentro la banca. Tra i presenti anche Zoe, mignotta di notte, bancaria di giorno che sta per essere uccisa da Eric, ma liberatasi fugge con Zed nei sotterranei. Grand guignol finale con Eric che viene fatto fuori dalla polizia e Zoe e Zed che convincono tutti di essere dei semplici clienti e riescono dunque a fuggire in placida tranquillità.

Cosa resta dopo questi 90 e passa minuti al fulmicotone? Questa banda scalcagnata che non si preoccupa neanche di prendere mezza misura di precauzione prima della rapina, o i primi piani di tutti i rapinatori iper eccitati , e vogliosi di scatenare l'inferno sapendo bene che vi sprofonderanno presto dentro? Forse niente, nemmeno una barzelletta alla Quentin!

Il fascino "nero"di Murano

2011-08-23T00:14:00.000-07:00

Non ricordo di aver mai visto un film girato quasi per intero a Murano, o perlomeno che trascuri l'agiografico rapporto di questa isola veneziana con il vetro. L'eccezione é "Solamente nero" di Antonio Bido scoperto in una sonnacchiosa alba di questa estate.

Una vera rivelazione, ma forse la presenza di uno dei migliori e sottovalutati attori degli anni'70, Lino Capolicchio, avrebbe dovuto destare in me qualche sospetto. Un thriller a basso costo come tanti che hanno costellato una delle pagine più felici della nostra produzione cinematografica sebbene la risonanza sia rimasta all'interno di un club di pochi cinefili. La storia vede un giovane professore di matematica , Stefano, il già citato Capolicchio, tornare in laguna per riposarsi dopo un affaticamento dovuto ad un periodo di intenso lavoro. Ad aspettarlo suo fratello maggiore, sacerdote nell'isola di Murano, che la sera stessa assiste dalla finestra della canonica all'omicidio di una donna senza riconoscere il volto del killer. Fin dal giorno seguente viene perseguitato da una serie di lettere minatorie che preludono ad una spirale di omicidi. Stefano cercherà con l'aiuto di suo fratello e di una giovane donna di cui si é innamorato di risolvere la catena dei delitti, ma la realtà é più atroce della fantasia.

Superbo il fascino della fotografia di una Venezia e di una laguna, gelida e spettrale, dove il sole non fa mai la propria comparsa che rispecchia l'incomunicabilità ed il sordido che si cela nella piccola comunità isolana dove si svolgono le azioni dei protagonisti, sia che ci si trovi nelle infime osterie con i bisunti tavolacci di legno che nei ricchi palazzi nobiliari. E la Serenissima é davvero un set ideale e naturale per il teatrino paranormale fatto di sedute spiritiche e pseudo maledizioni che si trascinano dal passato e sembrano vogliano affondare i personaggi che si muovono nel presente.

L'ottima performance dei due protagonisti, Capolicchio un credibile professore tormentato dalle angosce di un omicidio di una ragazza cui aveva assistito da piccolo ed una Stefania Casini, arredatrice sensuale dotata di fascino magnetico e i comprimari ben caratterizzati, oltre ad un finale interessante, rendono questo film un piccolo capolavoro, di quelli che mancano ormai da troppi anni nel nostro cinema. Che rimpianto per i gloriosi e torbidi anni'70.

Mauro Berardi, il feeling con la pista

2011-08-22T00:42:00.000-07:00

Ritengo la lettura della pista, le evoluzioni del pubblico in movimento e le sue dinamiche uno dei fattori determinanti nel valutare le qualità di un musicalizador ( discorso valido anche per i DJ in genere).

É questo indubbio il plus di Mauro Berardi rispetto a tanti altri colleghi. Leggere rapidamente, interpretare, anticipare ed assecondare i desideri dei tangueros. La capacitá, quasi telepatica, di intuire che quello é il momento ad hoc per una tanda di Lomuto, oppure che é arrivata l'occasione per sciorinare un Di Sarli strumentale da brivido. In più, una grande modestia e discrezione che integra perfettamente la consolle al mood della serata.

Quello che in una sola parola si definisce feeling.

Mauro rapidamente é asceso ai vertici dell'arte di musicalizar, non solo in Italia, ma anche in Europa ( e non é un caso che sia conteso dagli eventi più significativi nel panorama tanghero internazionale). Una escalation dovuta ad un duro lavoro, fatto di ore di ascolto e di ore di selezioni in milonga. Ma ritengo anche in virtù di un grande talento ed orecchio musicale. Se bastasse la mera applicazione e la sterile compilazione si sfornerebbero dj come in catene di montaggio, anzi dopo la figura del masterizador avremmo anche il dj taroccato in stile cinese.

Ho ascoltato Mauro con attenzione durante l'ultima edizione del Siracusa International Tango Festival ed al Venezia Tango festival : tande impeccabili, in grado di scatenare anche poliomielitici. La sua grande collezione inoltre non ha intaccato una visione rispettosa del pubblico, senza la voglia di strafare tipica di alcuni che desiderano stupire con effetti speciali e le cosiddette versioni introvabili. Curiosamente anche fra i musicalizador c'é chi si ostina ad andare alla ricerca del Santo Graal. Uno dei tarli del tango, al pari di quelli che pensano di detenere il vero tango, oppure con rigore talebano, cercano di ghettizzare le milonghe, escludendo alcune fette di pubblico.

Credo che fino a quando in consolle ci saranno musicalizador del calibro di Mauro Berardi in milonga si potrà garantire in anticipo una serata all'insegna del divertimento e del buon tango, in grado di accontentare il pubblico più diversificato possibile, dagli amanti di Donato agli aficionados di Caló, passando per Pugliese e Canaro.

Un pubblico che condivide una passione sola, il tango appunto, quella stessa folle e irrefrenabile passione che muove la voglia di musicalizar del grande dj romano, il gladiatore Mauro.

Il Giardino delle Vergini Suicide...ma l'adolescenza é davvero la piú bella stagione della vita?

2011-08-22T00:37:00.000-07:00

La tragedia dietro il perbenismo e la quiete familiare.

L'esordio di Sofia Coppola, figlia d'arte, é folgorante. Un gioiello per levitá di immagine, grazia nella fotografia e movimenti di macchina, recitazione impeccabile.

In poco più di 90 minuti si snoda la saga delle cinque sorelle Lisbon, espressione della tipica midolle class americana bianca, angeliche e nel contempo misteriose, protagoniste di un mondo dorato dove ogni desiderio ed ogni azione in realtà si sublima in una fagocitante ed ipocrita idea di famiglia. Dove domina sopra ogni cosa l'apparenza. Ritengo il grande merito della regista l'aver narrato questa storia crudele ed amarissima con un tono quasi soprannaturale confinando ogni azione in una dimensione onirica, e su questo punto affascinante é la colonna sonora del duo di musica elettronica transalpina Air.

La bellezza salverà il mondo diceva qualcuno, ma ci aggiungerei non forse chi porta addosso la bellezza! Il cast degli attori é a dir poco straordinario, dagli adulti James Woods, Danny De Vito, Kathleen Turner alle adolescenti Kirsten Dunst , Chelsea Swain e Josh Hartnett. Spesso i film tratti da romanzi riusciti e di successo, come nel caso dell'omonimo lavoro di Jeffrey Eugenides, sono dei bluff, ma in questo caso, posso tranquillamente affermare il contrario.

E comunque, siamo convinti che la romantica adolescenza sia la più bella stagione della vita?

Edipico e poco erotico, Spasmo

2011-08-22T00:32:00.000-07:00

Una trama contorta che obbliga forse a piu'di una visione, ma sicuramente una pellicola ricca di fascino e per l'epoca sicuramente non banale e ricca di soluzioni narrative inedite.

Le tare mentali e le derive sociopatiche della personalità sono una condanna da cui non si sfugge.

In sintesi, questo il messaggio di Spasmo, uno dei lavori cosiddetti "minori"di Umberto Lenzi.

Un noir atipico, che a differenza di tanti prodotti coevi esula dal facile esibizionismo di omicidi in serie e scene truculente, per mettere a prova lo spettatore con una tensione derivante dal non detto. Il mistero é appunto ciò che non si rivela, ma di cui si avverte la presenza, ingombrante ed opprimente. Trovo assolutamente geniale il finale che coglie assolutamente di sorpresa e rivela un ambiguo rapporto fraterno che ha scatenato una spirale di omicidi ed ha disseminato la storia di un proliferare di manichini femminili orrendamente mutilati ed orrendamente simili, forse troppo, a reali fanciulle.

I due protagonisti, Robert Hoffmann e Suzy Kendall, sprizzano morbosità da tutti i pori, anche se la loro performance non é memorabile, meglio sicuramente la prova di Ivan Rassimov, uno dei grandi caratteristi del nostro cinema di genere anni'70 ( memorabile il suo viscido Tony in Roma Violenta).

Edipico e stranamente poco erotico, per gli amanti delle atmosfere e dei simboli baviani ( bambole ed uccelli impagliati ) e delle colonne sonore di Morricone, comunque resta un film imperdibile.

Roma Tango Meeting, Caput Mundi dell'emozione tanguera

2011-07-15T03:03:00.000-07:00

La prima volta al Roma Tango Meeting.

Un’esperienza che ha lasciato il segno. Un segno indelebile nella mia anima tanguera più profonda, così profondo da superare le mie pur grandi aspettative. Già coniugare il fascino senza tempo della Caput Mundi con la passione tanguera sulla carta risulta un binomio vincente. Ma la realtà ha in modo netto oltrepassato fantasie e viaggi mentali.

Sono stati quattro giorni intensi, tutti nel segno della convivialità tanguera e della voglia di tango che hanno contagiato le austere e rigorose geometrie razionaliste del Salone delle Fontane. Mai contrasto genera dionisiaca passione, l’archiettura ordinata ed onirica di stampo dechirichiano, permettemi il neologismo, o meglio i vuoti e pieni di Sironi che si sposano con la follia creativa di quello che solo apparentemente può definirsi ballo, ma in realtà è un vero e proprio universo, un cosmo di movimenti, personalità, emozioni, musica, dinamica.

Carlo Paolantoni ha organizzato un evento bellissimo sotto ogni punto di vista, che non ha concesso il fianco ad alcuna sbavatura, coadiuvato da un team di amici mossi in primo luogo dalla passione, e dalla voglia di superare ogni ostacolo. Si potrebbe obiettare che è facile ottenere un successo con una location simile ed un cast di artisti di tale portata. Assolutamente no. Bisogna calibrare ogni minimo dettaglio, accogliere il pubblico e farlo sentire in un’atmosfera familiare, scegliere le luci ad hoc per ogni momento della serata, programmare i temi delle classi secondo le esigenze dei partecipanti ed ultimo, non banale, motivare i ballerini a dare il massimo. Come se dall’esibizione al Salone delle Fontane dipendesse l’esito di carriere già fulgide da tempo. Vedere mille persone ballare piacevolmente fino all’alba, applaudire senza interruzioni le performance dei maestri e richiedere bis alle orchestre, è personalmente una gioia che rinnova ogni volta la mia affezione verso questo mondo. Dove l’afflato poetico del pubblico interagisce con la vis creativa degli artisti argentini. È da questa relazione che prende linfa vitale ed ogni volta supera se stesso il tango. È da questa combinazione di cui ancora nessuno riesce a detenere la formula alchemica che scaturisce una naturale ed affascinante evoluzione che rende il tango argentino irriducibile a qualsivoglia altro ballo / danza.

Perché quando al Salone delle Fontane assistiamo alla performance di Chicho e Juana entriamo direttamente in un universo dove poter accedere magicamente alla “stanza di controllo delle emozioni”. Quelle emozioni che affiorano prepotentemente nell’interpretazione suggestiva di Fabian e Lola de “Ultimo Tango en Buenos Aires”, nella più che ontologicamente corretta “La vida es una milonga” magistralmente eseguita da Damian e Celine, o “Mi dolor “ grondante un abbagliante pathos di Sebastian e Mariana. Ho registrato davvero delle performance di altissimo livello, In quattro giorni si sono succedute tutte le possibilità dello scibile tanguero, in grado di soddisfare amanti dell’improvvisazione, della coreografia, del salon, dell’innovazione, delle sonorità classiche e contemporanee con un unico comune denominatore, il tango. Quando questo è rappresentato ai massimi livelli trasfigura genesi popolare e ricerca artistica creando un mix straordinario che nella cornice del Salone delle Fontane diventa quasi irripetibile.

Spesso dicono che la musica dal vivo rappresenti un freno alla voglia di ballare, forse è una definizione che non si addice all’Hyperion Ensemble che ha sciorinato uno dietro l’altro dei reimpipista incredibili con il pubblico incollato al piso che avrebbe voluto continuare a ballare sulle note di questa che ormai è l’orchestra per antonomasia dei festival.

Tante sono le immagini che si affastellano nella mente ma quella che emerge con arrogante irruenza è l’alba che fa capolino come per magia dalle vetrate del Salone delle Fontane. Ed allora, abbandonare dopo le 06.30 questo luogo incantato per ritornare a casa, attraversando in auto una Roma placida e assonnata vale di per sé il prezzo del biglietto. Eccoci inaspettatamente protagonisti di un dipinto di De Chirico. Che il tango al Salone delle Fontane, come avevo già scritto in precedenza sia davvero metafisico?

Here's the Blaxploitation

2011-07-14T07:09:00.001-07:00

Tra i tanti simboli degli anni’70 c’è di sicuro quel filone del cinema di genere che vede protagonisti poliziotti di colore con modi sbrigativi ed irruenti alle prese con una criminalità violenta e crudele dedita a sordidi affari di droga. È la blaxploitation, fusione di nero ( black) e sfruttamento ( exploitation). E fu subito boom di incassi con relativo successo degli attori fra cui la leggendaria futura musa di Tarantino in Jackie Brown, Pam Grier , e dei produttori, dato il basso costo per la realizzazione delle pellicole. Improvvisamente per un mondo, quello afroamericano, da sempre ai margini del cinema, si schiudevano le porte della fama e della gloria, cui di certo hanno contribuito le splendide colonne sonore firmate dai migliori nomi della black music dell’epoca. Come non ricordare l’immortale Isaac Hayes, il mitico James Brown, o i temi composti dal leggendario Curtis Mayfield. Certo, rivisti con gli occhi di oggi, un pubblico più che smaliziato troverà da sorridere ripensando a quella che all’epoca sembrava una violenza ipertrofica , e soprattutto ritengo salvi soltanto una manciata di pellicole nel polverone di una produzione prolifica. Su tutti ovviamente i due capolavori assoluti Shaft e Superfly. Il primo con protagonista un detective privato afroamericano alle prese di un duro conflitto tra mafia e forze dell’ordine, mentre il secondo che glorifica le imprese di un piccolo spacciatore che cerca di fare il grande salto nella malavita. Il boom convinse poi le major cinematografiche a cercare di rileggere qualsiasi genere in chiave blaxploitation, ed allora spazio all’horror di Blacula o alle atmosfere erotiche di Coffy. Dopo un oblio di quasi un ventennio colpo di coda con jackie Brown del Dio Tarantino. Ma che nostalgia di quelle musiche così suadenti e grovin’ e di quella fotografia sporca ed intrigante…

L’INCREDIBILE MONDO DI AUTHORITY

2011-07-14T05:44:00.000-07:00

Un gruppo di super eroi cinico e disincantato al di là del bene e del male che si trova addirittura a combattere Dio, sebbene questo nella serie sia “solo” il creatore della terra.

Warren Ellis firma con The Authority un capolavoro assoluto che rinnnova scardinando i comics di fine millennio. Il lettore si troverà in un universo contorto e privo di qualsivoglia fondamento , che trova come sua colonna portante e cifra stilistica la violenza. Violenza che ridefinisce a tutto tondo i protagonisti geniali e simili a noi, perché anche se super eroi, vivono e condividono le debolezze e le inquietitudini degli umani.

Un percorso di rara bellezza nel mondo dei fumetti che ci trasla in un immaginario senza redenzione , e che a tratti ricorda il cupo capolavoro Watchmen!!!

Incontro di sensi, Venezia ed il tango

2011-07-12T10:14:00.001-07:00

Mi sembrava impossibile che Venezia, una delle città storiche della scena tanguera italiana a distanza di tanti anni non riuscisse ad avere un grande evento degno di questo nome. Finalmente si è sfatato questo terribile luogo comune.

L’edizione 2011 del Tango World in Venice, entra di diritto nel novero delle più rilevanti kermesse tanguere nazionale. Certo, un ruolo importante è stato svolto dalla location, il suggestivo Terminal Crociere di Venezia con una bellissima sala in parquet che si affaccia direttamente con una grande vetrata sul bacino acqueo della Serenissima.- Quasi a ribadire con voluttuosa arroganza l’anima portena del capoluogo veneto ed il suo legame indissolubile con l’acqua, un trait d’union con Buenos Aires. Raro vedere un evento costruito con grande perizia ed organizzato nel minimo dettaglio, fin dalla hall dove venivano accolti i partecipanti con stand di ogni genere e soprattutto le affascinanti fotografie di Alexander Portnoy ed il suo esuberante sguardo alla Bruce Weber. Un occhio che prepotentemente scava nell’anima dei ballerini e del pubblico, esaltandone l’anima e la passione. Pareva quasi che il fermento ed il carattere internazionale della Biennale d’Arte si fosse riversato nel Tango World in Venice con appassionati giunti da ogni parte del globo disposti a condividere questa passione con grande affabilità.

Ogni sera l’alternarsi di esibizioni e musica dal vivo. Tutto di altissimo livello. Le cinque coppie di artisti presenti hanno rappresentato un excursus storico nel tango, non solo a livello didattico, ma anche stilistico. Ormai celebrato padrino dell’evento, Miguel Angel Zotto, accompagnato nel suo lungo percorso artistico da ormai cinque anni dalla sua partner Daiana Guspero, in una serata dedicata a lui solo, ha sciorinato con la coinvolgente Daiana una performance da brivido ballando sulle note dal vivo dell’Orquesta Soledad strappando una irrefrenabile serie di applausi al pubblico ed emozionando con il suo consueto connubio di perizia tecnica, passione e Storia, quella con la S maiuscola. Perché ormai da tempo Miguel ha raccolto il testimone di padre nobile del tango, depositario delle fasi transitorie ed evolutive di questo universo, dalla dimensione più intima da milonga, fino ad affrancarsi verso quella da show e teatro, che ha determinato l’autentica tango renaissance nel mondo negli anni’90. Non è un caso se nella realtà italiana, quella che conosco meglio, molti hanno iniziato ad appassionarsi al mondo del 2x4 dopo aver visto gli spettacoli di Miguel che dieci anni fa rappresentavano anche dei tesori da scambiarsi furtivamente attraverso usurate vhs. Diego Escobar ed Angie, nel solco della tradizione e di un adamantino stile salon sono state una delle novità del cast dei maestri. L’importanza di essere chiari e la ricerca di una eleganza sia nella postura che nel movimento caratterizzano questa coppia che, raccogliendo gli umori del pubblico, hanno regalato brividi alla sala. Quegli stessi brividi che l’istrionico Ricardo Barrios con Laura Melo trasmettono con un tango personale, ricercato e mai banale dove l’irruenza creativa del prima si adagia e scivola nella morbidezza e sensualità di movimento della partner. Con il sabato due universi sul tango contemporaneo si sono schiusi in laguna: la dimensione orfica e teatrale di Joe Corbata e Lucilla Cionci, e la polisemica lettura del tango di Sebastian e Mariana. Non due contrapposti che lottano, ma strati di spirito tanguero che somatizzano con il loro incedere coreografico la bellezza e la diversità del tango. Il suo ontologico riverbero di irriducibilità ad una forma precostituita. Ed allora ecco che la classicità aurea delle performance di Sebastian e Mariana siaaffiancano al pathos di Joe e Lucilla, il tutto in un climax di emozioni.

Stupefacente è stato l’apporto della musica live. Conoscevo bene il sanguigno spettacolo del Sexteto Milonguero e l’impatto del suo frontman. La grande novità è stato ascoltare la straordinaria ORQUESTA SOLEDAD. Dalla Russia , come ha detto Miguel Angel Zotto che ha voluto fortemente esibirsi solo con la loro musica, il futuro del tango. Un futuro radioso se ci saranno interpreti di questo livello. Personalmente non avevo mai ascoltato dal vivo un’esecuzione così cristallina, pulita e mai sopra le righe di un’orchestra. Soprattutto nel tango non mi era capitato di poter affermare la qualità dio un concerto pari ad un CD. Sì, stavo proprio ascoltando un CD, che miracolosamente rinverdiva in milonga i fasti di tutte le grandi orchestre del passato. Una autentica estasi tanguera.

Una grande sfida aspetta dunque gli organizzatori del Tango World in Venice. Continuare a proporre un festival di così alto livello, dove grandi numeri equivalgono a grande qualità. Ma sono la passione e la professionalità di Anna e Davide la migliore garanzia sull’esito futuro di un evento che sono certo non tradirà le aspettative degli appassionati da tutto il mondo che sognano di ballare a Venezia.

Nobel = oblio ? o fame?

2011-07-12T05:25:00.000-07:00

Spesso capita ai vincitori del premio nobel di cadere nell’oblio ed a distanza di anni vengono totalmente ignorate le ragioni per cui hanno ottenuto un premio così prestigioso.

Fra queste vittime della damnatio memoriae del riconoscimento di Stoccolma rientra di sicuro il grande Knut Hamsun vincitore del Nobel per la Letteratura nel 1920 che ben pochi conoscono e leggono. Di certo ha contribuito a questa situazione l’adesione dello scrittore norvegese al governo filonazista durante la Seconda Guerra Mondiale cui seguì l’internamento in manicomio e la morte in solitudine nella sua casa di Nroholm ultranovantenne nei primi anni’50. Tra le sue opere certamente una delle più affascinanti è il romanzo Fame, sorta di autobiografia bohemienne di un giovane pieno di tantissime speranze ma totalmente squattrinato che cambia e si adatta ai più umili lavori. Riesce dopo molte traversie a farsi pubblicare un articolo e con la paga a sopravvivere qualche giorno, ma l’ostilità della città e della società contemporanea gli fa prendere una drastica decisione: imbarcarsi su una nave russa. Protagonisti sono la fame atavica del giovane bohemienne ed il suo costante oscillare in una realtà sospesa tra il sogno e la cruda oppressione dei bisogni fisici. Indimenticabili sono i monologhi durante le passeggiate notturne, un capolavoro del naturalismo del primo Novecento quando lo spirito vitale di un’intera gioventù sembrava doversi prendere una rivincita ed affrancarsi dalla vecchia e trita società ottocentesca.

Ma l’ombra della tragedia nazista è dietro l’angolo e dalle pagine sembrano affiorare gli echi. E d’improvviso mi appare l’immagine del viandante sul mare di nebbia… una assonanza quanto mai dovuta…

IL CULTURAME CHE PROTEGGE LO SQUALLIDO MACELLAIO BATTISTI

2011-07-12T05:23:00.000-07:00

Una delle storie più nere e squallide degli ultimi anni che intreccia terrorismo, bassa politica, radical chic e pseudo cultura antagonista.

È quella denunciata da Giuseppe Cruciani ne " Gli amici del terrorista” un avvincente saggio che narra le vicende dell’assassino Cesare Battisti , pluriomicida che di colpo, grazie al soccorso rosso-radical chic si trasforma in uno scrittore di noir di successo e diventa nella arrogante gauchista parigi di fine millennio un intellettuale di tutto rispetto. Sostenuto da una claque di filosofi (Henri-Levy ), politici (Lula e la moglie di Sarkozy, l’ex modella Carla Bruni) e scrittori ( Vargas, il compagno esegeta biblico De Luca…) ha potuto in maniera del tutto indisturbata vivere ed essere riverito come un maitre a penser ed addirittura passare come vittima degli anni di piombo.

Cercare di comprendere le ragioni di chi ne sostiene l’impunità va ogni oltre umana comprensione, ed alla luce delle ultime vicende con il Brasile che ha negato l’estradizione rende forse plausibile affidarsi come ultima ratio alla giustizia divina, o meglio a qualche improbabile ( sarebbe) giustizia terrena. In Italia c’è ancora un gruppo dir educi intellettuali del terrorismo convinti di poter posizionare sullo stesso piano uno squallido assassino e lo Stato, soprattutto quando Battisti deve la sua grande vena narrativa alle sensazioni vissute in prima persona e di cui non si è mai pentito: ovvero l’assassinio a sangue freddo di vittime non politiche, ma di un criminale comune, che di romantico non ha proprio nulla.

Ma il lato più triste e squallido è l’appoggio di una parte dell’intellighentia nostrana. Sempre dalla stessa parte, e sempre convinta che la violenza diventa necessaria e giustificabile nel processo di cambiamento dello stato. Ma il plotone d’esecuzione per il culturame, quando arriverà?

Uomini si nasce, poliziotti si muore

2011-07-07T07:47:00.000-07:00

Uno dei polizieschi più brutali e fuori regole del cinema di genere tricolore. Uomini si nasce, poliziotti si muore si avvale di un cast di attori da paura ( Renato Salvatori, Porel, Celi, Lovelock, Dionisio), la sceneggiatura del magico DiLeo ed in cabina di regia il crudele sguardo del “maledetto” Ruggero Deodato.

Anche se ci si schiera dalla parte dei buoni, il duo di poliziotti componenti la famosa squadra anticrimine si nutrono dubbi sulla condotta morale, non a caso le forze dell’ordine qui sparano per prime ed uccidono senza remore, soprattutto quando si ha a che fare con unvecchio boss della mala che cava gli occhi a chi sgarra. Una figura questa magistralmente interpretata dal grande Renato Salvatori alias Pasquini cui il volto così crudelmente popolare caratterizza in una maniera unica.

Deodato celebra con questa pellicola un omaggio al genere poliziesco, per lui una rarità, che subisce una fascinazione perversa del male e della violenza che non conosce alcuna bandiera. Grande merito è comunque l’aver reso la pelicola priva di ogni qualsivoglia forma di ideologia, in un periodo dove si cercava di politicizzare o di sposare alla causa femminista, praticamente tutto. E soprattutto si doveva scendere purtroppo a patti con la tagliente scure della censura.

CLOCK DVA, Hacker della coscienza

2011-06-30T04:07:00.000-07:00

A metà degli anni’80 irrompe sulla scena underground inglese un gruppo che scuote la coscienza pretecnologica di quella generazione. Il suo nome è Clock DVA, il suo profeta ADI Newton. S eil primo lavoro Thirst, è ancora un tentavio ben riuscito, ma grezzo di inglobare la tecnologia e l’incubo della sperimentazione cibernetica nel punk è con Advantage che nel 1983 si raggiunge la sacralità del capolavoro. Un mondo freddo e robotico, dominato da pulsioni viscerali oscure e sordide, che cala una cappa di gelo esistenziale e fisico sulle figure che popolano il suo universo, i perdenti e i reietti. Ad un tappeto sonoro costellato di fiammate di jazz algido e funky destrutturato si sovrappone la voce del gigantescoe carismatico cantante che squarcia dal profondo delle tenebre lpscurità elettronica. Mi ricordo di aver assistito ad un loro concerto a Padova… un’esperienza mistica. Finalmente un gruppo che ante litteram parlava di scenari ipertecnologici riusciva a destare le coscienze spente del pubblico. Ancora oggi vado alla ricerca del suono ipnotico, ossessivo e digitale di quel terrorista hacker di ADI Newton, ma invano. Quella fantascienza e i suoi incubi che solo un superficiale definirebbe cyberpunk, quando altro non è che la cosceinza dell’uomo europeo attonito ed atterrito nei confronti del nuovo millennio e di un futuro incerto. Pura algebra del male.

I gemelli terribili dell'easy listening

2011-06-30T03:46:00.001-07:00

È grazie ai Montefiori Cocktail che in Italia parole ormai scomparse come exotica, easy listening e lounge sono tornate prepotentemente alla riblata. I gemelli Federico e Francesco sono gli indiscussi capofila della lounge & cocktail renaissance in Italia e dal 1997 non mancano di entusiasmare i propri fans ad ogni loro apparizione. Figli di un leggendario sassofonista, Germano Montefiori, mattatore e re dei night, balere ed orchestre, il duo ha inciso sette lp di cui 3 per una major, la EMI. Irresistibili e trascinanti infiammano i dancefloor grazie ad un repertorio che affianca brani originali a cover e riletture di grandi classici anni ’60 e ’70, jingle pubblicitari. Modernariato po –lounge che esige una volta tanto di mettere da parte ideologie e dimpegno e pensare soltanto a divertirsi, per raggiungere la sintonia con la spensieratezza e la freschezza dei ruggenti sixties.

Juan Solo, ascesa e caduta di un reietto

2011-06-16T05:24:00.000-07:00

Una metafora nera, cruda e senza redenzione della società contemporanea.

“Juan Solo” ci trascina in un Messico violento e polveroso, dove soldati armati e senza nome sparano a vista dopo il coprifuoco. Soprattutto verso un gruppo di ragazzini senza speranza che si arrabattano alla meglio prostituendo il proprio corpo e la propria anima in cambio di un riscatto sociale. Tra questi il protagonista, Juanito, deforme e con una coda di cane, che dopo aver subito l’ennesima angheria, decide di farsi giustizia, e forte di una pistola si pone alla testa di una gangdedita ai più efferati crimini, dallo stupro alla rapina.

Una scalata ai vertici malsani della società, fino a diventare il body guard del primo ministro, ruolo che necessita di un bagno di sangue e di una prova iniziatica: il mssacro di tutta la sua banda. Disegnato secondo un compasso basato sulla violenza e la deformità grottesca, sue cifre stilistiche, Jodorowsky dà vita ad uno dei suoi lavori più riusciti, con un apologo fin troppo palese sull’ambigua relazione fra sesso e potere, e tutte le implicazioni del caso.

Una parabola dannata e paradigmatica di una società dove i reietti da tempo hanno perso ogni speranza di rivalsa sociale, se non a patto di scivolare nell’abisso del male. Anche in questo lavoro è facile subire la fascinazione del fantastico e del grottesco, stati dell’anima ancora prima di essere deviazioni e mutazioni fisiche.

E soprattutto la cruda affermazione di una vita fatta di ascesa e caduta, perché più in alto si sale e maggiore sarà il tonfo nello sfracellare a terra.

Ultravox:sound espressionista e decadente

2011-06-15T07:59:00.000-07:00

Dal punk alla new wave, algidi ed elettronici, ma in grado di ipnotizzare e scuotere le coscienze rock degli anni ’80. Gli Ultravox a distanza di un trentennio riescono con Vienna a catapultarci nelle illusorie fughe ed aspettative della società post industriale uscita malconcia dalla ribellione e dalla furia iconoclasta del punk. Come una sciabola la voce di Midge Ure sibila nel silenzio dell’omonima title-track … ed allora per incanto ci destiamo in una mitteleuropa straniante e kafkiana di cui l’alfiere non può che essere il sintetizzatore. Sì, con gli Ultravox nasce il synth-pop cui tanti artisti successivi sono profondamente in debito, a partire dai Depeche Mode. Il virtuosismo degli altri strumenti si adagia sul tappeto sonoro ossessivo ed ipnotico che solo il sintetizzatore riesce a creare, con una sagacia ed una semplicità che perdono quel carattere inafferrabile e cerebrale di alcune composizioni dei Kraftwerk e Tangerine Dream. Espressionista, nel senso più tedesco del termine, è l’aggettivo che può definire il sound unico ed irripetibile degli Ultravox. Espressionista e decadente come solo un gruppo di grandi musicisti europei può essere. Ultravox forever!

Powers: Chi uccide i Super Eroi

2011-06-15T07:25:00.000-07:00

Chi ha uccisoRetro Girl? Un tremendo quesito alla base dell’omonimo volume di Powers, lo straordinario fumetto targato Brian Bendis e Michael Oeming. Sono rimasto affascinato da questa saga, che vede due poliziotti della omcidi contrastare criminali dotati di poteri speciali fin dal suo esordio. Le atmosfere noir senza redenzione fanno da sfondo ad una lotta manichea fra normalità e potere extra-umano, un tema ricorrente nella poetica di Bendis che ne farà il plot narrativo per eccellenza dell’ultimo universo marvel. Poliziesco e fantasy mixati alla perfezione con un’esplosione di colori unica. In alcune tavole sembra di scivolare come per magia nell’incanto di Watchmen dove i supereroi sono vulnerabili e possono morire. Certo dalla morte di Superman a quella di Capitan America, ricordando Capitan Marvel, l’estinzione biologica dei superoi non fa che giovare alla narrativa dei comics e soprattutto ci ricorad come la fragilità dell’esistenza abbracci, con le sue spire mortali anche gli “immortali”. Se non invecchiassero o morissero, forse ci avrebbero stufato già da un pezzo!

Cowboy Bebop... caccia al cosmo

2011-06-08T06:02:00.000-07:00

Una squadra di cacciatori di taglie in giro per lo spazio. Trama semplice per un manga che sciorina una stratificazione affascinante di diversi livelli di lettura , accompagnato da una colonna sonora incredibilmente bella, tra improvvisazione jazz e bebop, blues.

Se il personaggio principale è Spike, un giovane e ribelle bounty killer, che vaga alla ricerca di criminali rintanati nelle basi spaziali dove si è rifugiata l’umanità, nondimeno le altre figure si riducono a comprimari. Bensì ognuno diviene a suo modo un personaggio a sé stante, a partire da Jet Black, passando per Faye Valentine, Edward ed il cane Eie. A distanza di anni da Capitan Harlock, questo manga riaccende in me, ma credo in tanti, la nostalgia per quell’animazione che poneva al centro di tutto il viaggio, quasi un peregrinare senza meta, se non alla ricerca unicamente di se stessi. Sembra che negli oltre venti episodi di Cowboy Bebop ci si addentri in un percorso iniziatico, misterioso e pieno di insidie quantunque ammiccante.

Tra ammiraglie spaziali e uomini agghindati da cowboys in un futuro ipertecnologico il viaggio cosmico procede all’infinito. Il genio di Shinichiro Watanabe ci regala un meraviglioso girovagare fra epica e sogno, ammaliando bambini ed adulti verso uno stadio dell’età in cui tutti desiderano essere esploratori dell’infinito.

Un manga da godere fino in fondo , e da rivedere immediatamente subito dopo aver finito la visione del ciclo, perché genialmente solo negli episodi conclusivi viene svelato il passato dei protagonisti. Ma avremo capito tutto?

Picherna...quando basta la presenza ad evocare il tango

2011-05-10T09:02:00.000-07:00

C’è qualcosa di magico in Felix Picherna che lo rende unico e inavvicinabile da chiunque voglia fare il musicalizador ( o dj, o tj, …) , ed è il talento di essere sempre e solo se stesso. Il dono di essere “naturalmente” una icona, ed una parte della storia del tango argentino. Scrivo d’impulso questo post riflettendo su una conversazione scambiata neanche un mese fa al festival di Torino. Riguardava la composizione di una tanda di vals, che non era omogenea negli autori e nel cantante, ma suonava incredibilmente perfetta, era ancora una volta l’epifania del genio del tango. Qualcosa di inspeigabile che improvvisamente ha riversato in pista tutto il numeroso pubblico che assiepava il Lingotto. Ancora una volta Felix riusciva a sorprenderci, come se inconsciamente, sbeffeggiasse chi del tango vuole fare una algida algebra musicale che obbligherebbe il pubblico in virtù di non so quale assioma a ballare una parte minima di orchestre e periodi, rigettandone un’altra, ponendosi quali detentori di una verità assoluta. Ma Felix è lì, in consolle, mentre è alle prese con le sue cassette fuori dal tempo, anzi che del tempo hanno stigmatizzato i suoi effetti a rappresentare la naturalità del tango. Basta solamente la sua figura, discreta, elegante e mai sopra le righe, a rappresentare la magia di questo mondo, definirlo ballo sarebbe riduttivo. Sono convinto che centomila tango dj non saprebbero fare di meglio, perché quello che lui trasmette è l’essenza del tango, la storia. Il fascino che trasuda da chi ha vissuto fianco a fianco con i protagonisti. Ed allora rappresentano dei momenti imperdibili quelli in cui talvolta regala degli aneddoti, ti fuga i dubbi di alcune parole in lunfardo e con la sua convivialità continua la tradizione sociale del tango. Quanti oggi possono dire realmente di conoscere il significato di un tema, di aver vissuto le evoluzioni del tango, il suo attraversare anni di oblio in attesa della rinascita. Aver ascoltato Podestà al massimo della forma? Di Sarli e Pugliese che suonavano e dirigevano le proprie orchestre?

Quando sento talvolta qualcuno che vorrebbe mettere da parte Felix rimango profondamente deluso, è come se volessimo cancellare la storia, la tradizione, e senza questo bagaglio di sicuro ci si arena. Non lo ritengo neanche un gesto iconoclasta, ma soltanto frutto di mera ignoranza, di chi pensa che in due mesi, bastano diecimila pezzi scaricati dal web, o anonime playlist, ad intuire la magia della milonga, a prenderne le redini in mano.

Ed allora non vedo l’ora di riascoltare il grande Felix, che in virtù di un superpotere a me ignoto, trova senza preascolto la traccia desiderata, ed esortando il pubblico a scendere in pista annuncia con la sua voce radiofonica di altri tempi falta el mejor…

Machete... y nada mas!

2011-05-10T08:32:00.001-07:00

Solo chi ha amato i b-movie degli anni ’70, americani e soprattutto nostrani, chi ha amato le pellicole grondanti una violenza ipertrofica e parossistica, quelle favolose ed oscure colonne sonore introvabili che facevano puntualmente da sfondo a sparatorie, inseguimenti vertiginosi in auto ed a momenti di esplosiva sessualità, può comprendere fino in fondo un capolavoro manierista quale Machete. Robert Rodriguez, gemello del divino Quentin si diverte a frullare in un cocktail esplosivo cinematografie nascoste che olezzano di pulp e cinema di quart’ordine, la cui immagine iconica è il volto/ corpo di Danny Trejo. Un attore feticcio, che non può essere che Machete, l’agente federale pieno di cicatrici e tatuaggi sulla sua pelle al pari dell’orografia di una cartina geografica delle montagne dell’Arkansas che si trova al centro di un complotto politico. Il plot narrativo è l’espediente per liberare come un vulcano il vorace appetito cinefilo del regista che riesuma anche alcune icone hollywoodiane degli anni’80, da un fantastico Don Johnson, ripugnante fino al midollo nel suo fanatismo razzista da Klu Klux Klan, al perfido villain Torrez interpretato da uno Steven Seagal che deve aver fatto un patto più che con il diavolo, con il chirurgo plastico. Se a questi aggiungiamo un De Niro mastodontico e mai sopra le righe, oltre ad una sensualissima Jessica Alba, ingrado di risvegliare sopiti istinti sessuali anche in uno zombi romeriano… il gioco è fatto. Quello di condensare azione, divertimento, sangue e violenza nelle giuste dosi, in una pellicola che non mancherà di entusiasmare il pubblico. Io ne sono stato coinvolto fin da quando il film era in nuce, ovvero un semplice trailer in GrindHouse , Planet Terror, seguendo una regola tipica dei movie che annunciavano con trailer grotteschi ed a tinte forti la prossima pellicola. Ma il pezzo forte rimane Trejo destinato ad entrare nella galleria di quei personaggi, la cui faccia patibolare disegna interamente un film. Caldo, erotico nella sue imperfezione,… un fascino a cui le donne non sanno resistere, violento… vive alla giornata non mandando sms…

Dopo il buio di Sin City e la fantascienza maledetta di Planet Terror, il Sanguinario Texas di Machete… ma non aspettatevi sms di chiamata, Danny Trejo non ne manda, forse perché sta facendo un bagno in piscina con Lohan o sta mangiando un taco dalla Rodriguez… o sta semplicemente affilando il suo machete…

Ed ovviamente il pubblico è avvertito, titoli di coda con l’avvertimento di altre due pellicole in arrivo!!!

Robert Rodriguez… tu sia benedetto in eterno!

Blues addiction...The Dead Weather

2011-05-10T07:20:00.001-07:00

Il Blues violentato dai feedback chitarristici e dall’irruenza punk, ma anche dall’ondeggiante dondolio sonoro del reggae/dub. Gli ingredienti esplosivi di Horehound, lavoro del supergruppo The Dead Weather, o meglio del genio malsano blues di Jack White conquistano in rapidità. Come una scossa adrenalinica che risveglia ancestrali paure e vibrazioni. Ovvero sprofondare in un abisso dove la voce spettrale e cavernosa di Mosshart declama litanie ipnotiche, sorrette dalla ritmica di White e Lawrence che si mimetizzano talvolta in afflati vintage, talora in urla da nostalgico dylaniano. Ma soprattutto con la certezza che il blues seduce certo… ma inesorabilmente conduce verso le porte delle perdizione… pace all’anima di Huxley.

Kasabian... Indie rock, but It's only Rock'n'roll

2011-05-10T07:13:00.001-07:00

Esuberante fino all’eccesso, lisergico ed imbevuto di rock’n’roll fino al midollo, delirante come il miglior sound di Madchester. Il terzo album dei Kasabian, “West Ryder Pauper Lunatic Asylum” è tutto questo, ma soprattutto è un omaggio viscerale al brit pop, alle sue aradici più nobili in un coacervo di citazioni mai banali. Tutti i brani interpretano la doppia anima dei Kasabian, spirito ribelle e ritmi improvvisamente rallentati per godersi, anche se solo per un istante i trip di sostanze psicotrope. Agli echi degli Oasis si sovrappongono le irresistibili e genuine alchimie degli Stones, basti ascoltare una traccia come Fire. Ma il viaggio nei miti giovanili non si esauriscono certo qui, altrimenti come andrebbe speigato l’omaggio ai Kinks o alle atmofere care a Leone ed al duo malefico Tarantino / Rodriguez. Tra i must dell’album West Ryder Silver Bullet che Tom Meighan canta con l’attrice Rosario Dawson. Verrebbe forse voglia tra una traccia e l’altra di scolarsi le bottiglie di Jack Daniel’s che fanno tanto rocker maledetto,… go for it! Indie Rock… it’s only rock’n’roll

Bene vs.Male? Il braccio violento della legge

2011-05-10T07:07:00.000-07:00

Il confronto duro e manicheo tra Papà Doyle e Charnier, in un crescendo parossistico di violenza è uno degli scontri buono / cattivo meglio rappresentato nella storia del cinema. Il direttore d’orchestra di questa affascinante sinfonia della lotta sempiterna tra bene e male è il grande William Friedkin. “Il braccio violento della legge” del 1971 con protagonisti i grandissimi Gene Hackman e Fernando Rey e comprimario, anche se è riduttivo chiamarlo tale, Roy Scheider, è un film straordinario che già al primo fotogramma ci trascina nei sordidi vicoli di due metropoli New York e Marsiglia. Qui si fronteggia una squadra narcotici sui generis ( Hackman e Scheider) reduce da svariati insuccessi e un’organizzazione di narcotrafficanti al cui vertice c’è l’elegante e raffinato Rey, già attore feticcio del maestro Bunuel. È appunto la rappresentazione dei due antagonisti operata al rovescio dal regista, una delle novità più interessanti della pellicola. Man mano che si scende all’inferno il “buono” Doyle/Hackman diventa sempre più violento, dai modi spicci ed efferati, pronto a schiacciare qualsiasi cosa e qualsiasi collega pur di arrestare Rey che, malgrado a capo della gang criminale, è sempre gentile, cortese e colto. Non si può dimenticare la lezione dell’Infernale Quinlan di Welles, ovvero il confine sempre più labile tra bene e male, con il poliziotto che è disposto a falisificare ed a creare prove per esercitare il suo potere e porre a termine la sua missione. Il finale della pellicola, contribuisce ancora di più a creare sgomento nello spettatore con i malavitosi arrestati ed uccisi, ma allo stesso tempo la fuga di Rey e quindi il fallimento dell’operazione di polizia di Hackman che preso dalla foga di arrestare il boss uccide un suo collega, non rattristandosene particolarmente. Il successo del film di Friedkin deve anche molto al realismo ed al montaggio serrato delle scene d’azione e ad un modo allora inedito di raccontare la società americana che si stava aprendo a profonde ferite esistenziali. Di lì a poco sarebbe arrivato il nuovo cinema americano… anche se nessuno riuscirà a sottrarsi a questa domanda “ Fino a che punto e con quali metodi, e soprattutto a che prezzo si può combattere il male?”

Road Movie fra silenzi ed archietture svuotate

2011-05-10T03:12:00.001-07:00

Incastonato nello sguardo icona del suo attore feticcio degli anni’70, Rudiger Vogler, Alice nella città è forse uno dei film più belli mai realizzati sul tema del viaggio come movimento dell’animo umano. Wenders appoggiandosi ad una trama esile, quasi da romanzo giallo, un giornalista riceve in affidamento da una donna all’aeroporto una bambina, costruisce con lunghi silenzie magistrali movimenti di macchina infiniti una epica dello spostamento e dello straniamento. Un lungo e surreale girovagare pieno di fascino alla ricerca dell’altro che forse è la ricerca di sé. Forse non c’è niente di più affascinante nel regista tedesco che il suo uso dell’ellissi e della dilatazione dello spazio tempo. Una forma quasi di rigore luterano della visione che fa del cinema un’arte pari alla pittura. Dilatando il tempo, afferma Wenders, si riesce a scandagliare in profondità cosa si annida dentro l’animo umano. Ed allora ecco che il colore non può essere altro che il bianco e nero, un candido gioco di pieni e vuoti, ombre e chiaroscuri che differiscono la verità della visione in unaltro momento. Il protagonista quasi con scelta obbligata è un fotoreporter che si trova a New York, una delle città simbolo per i cineasti della generazione wendersiana, per scrivere un reportage sugli USA, ma licenziato dall’ottuso editore per la scarsa qualità del materiale decide di tornare in Germania e si imbatte nel’aeroporto, un non luogo all’Augè, in una signora tedesca che gli affida Alice. Nomen Omen… di tutte le traversie e del rincorrersi fra il protagonista e la bambina forse nascerà un libro, … ma forse. In Wenders non vi è mai certezza dell’azione, solo lo sguardo, el lunghe panoramiche sono degli assiomi. Un road movie dove la conoscenza si fa attraverso il silenzio, architetture svuotate, paesaggi de umanizzati.

Da Belgrado arriva la Tango Renaissance

2011-04-12T22:48:00.000-07:00

Viene dall’Est la Tango Renaissance.

Nei momenti in cui la creatività e la vitalità di un fenomeno socio - culturale sembra arrestarsi in un vicolo cieco , c’è un colpo d’ala che ne rilancia con forza la sua esistenza.

Sono reduce dal Belgrade Tango Encuentro, felice e soddisfatto di aver scoperto un mondo nuovo o una dimensione tanguera che pensavo fosse schiacciata nelle paludi nostrane delle diatribe fra scuole, stili di tango, ortodossie. Una kermesse che gli amici Darko, Sonja aiutati da un team straordinario nella freschezza e nella gioia di vivere che solo i ventenni possono avere, hanno confezionato alla perfezione.

Senza sbavature.

Dalla scelta della location di grande suggestione, all’impianto musicale , all’accoglienza degli ospiti, ad ogni dettaglio di allestimento. Offrendo un cast di maestri di altissimo livello tra cui rifulgevano in maniera assoluta Sebastian Arce e Mariana Montes. Li avevo lasciati a dicembre a Mantova, e li ritrovo in Serbia con quattro interpretazioni nuove di altrettanti temi di grande impatto, su tutti un Varela strumentale da brivido ed un D’Arienzo poco frequentato, almeno nelle milonghe italiane, con Ramos.

Ma la grande rivelazione del Belgrade Tango Encuentro è l’essenza del tango che si è respirato in questi quattro giorni. Un ballo che diventa momento di aggregazione e socialità, scambio di energie e dinamiche, riflessione su quanto appreso nelle lezioni svolte con i maestri, voglia di ballare fino alla spasimo in milonga. Vedere tanti giovani che ballano molto bene, scansare il desiderio di protagonismo di cui trasuda la nostra penisola dove dopo un anno molti iniziano contemporaneamente a svolgere il ruolo di insegnanti, organizzatori, musicalizador, boicottatori e bastian contrari di eventi altrui, mi lascia quasi stordito. Ho parlato con qualche ragazzo di Belgrado chiedendo se per caso in queste lande c’è la contrapposizione fra abbraccio chiuso ed aperto, o le tremende definizioni all’italiana milonguero e nuevista, e loro mi han detto che si balla il tango , al massimo ci può essere distinzione fra chi balla bene e chi meno. Da tempo non sentivo una carica dentro come nella notte della Gran MIlonga del Sabato. Pista piena all’inverosimile fino alle 04.00 con una intensità vista poche volte. Nessuno che viene a disturbare in consolle e rispetta le scelte del dj che sta officiando il sacro rito del porre musica. Una intensità che è emersa prepotente anche durante le esibizioni dei maestri, dove il silenzio si alternava a scroscianti e spontanei applausi.

Spesso in Italia il pubblico, mal sopporta il momento dell’esibizione dei maestri. Si vedono facce patibolari, mal di pancia , sguardi annoiati, finti snob in crisi di protagonismo morettine, considerando questo momento come deleterio all’energia della serata. Invece a Belgrado ho scoperto un pubblico che attende trepidante, in maniera messianica questo momento e ne vampirizza l’energia. Dopo la performance straordinaria di Sebastian e Mariana, si percepiva nella sala del Centro Culturale Universitario una adrenalina collettiva da concerto rock.

Un grande merito va indubbiamente allo staff che gestisce la grande macchina organizzativa, ma anche alla grande voglia di divertirsi e di socializzare dei tangueri serbi contagiosi con il loro entusiasmo. Belgrado è una città unica, viva, brulicante di giovani e di energia, di una gioventù esuberante che sa metterti subito a tuo agio. Ricca di caffè open air bagnati dal sole e rinfrescati dal vento affollati da ragazzi e ragazze pronti a socializzare e scherzare. Quando ho letto su una guida che era una città dalla grande vita notturna, pensavo che fosse una capitale ad una sola faccia, ed invece ho scoperto una metropoli da vivere 24 ore su 24.

Attendo con ansia la prossima edizione del Belgrade Tango Encuentro, che sono certo sarà ancora più straordinario. Darko, Sonja ed il team che a me fa tanto pensare alla Factory di Andy Warhol sicuramente hanno in cantiere novità che confermeranno la grande vitalità di questo movimento e del tango nel cuore dell’Europa. Ho contenuto la mia descrizione della bellezza e della simpatia del pubblico di Belgrado perché vanno scoperti dal vivo, venendo in questa kermesse.

Ed allora, nell’attesa del BTE 2012, all the best!!! Per tutti la Tangogang di Belgrado, il virus del tango ribolle già nelle vene. E come dice il pay off del flyer pubblicitario dell’incontro Different Languages Una comunicacion.

Sukia!!!

2011-04-12T13:15:00.000-07:00

Dai torbidi meandri del passato, … dai polverosi tavolini dei barbieri di provincia…tornano le antieroine dei fumetti erotici dei ’70 ed ’80.

Mi sono imbattuto per caso in internet su un mito dei camionisti … SUKIA.

Una vampira avvenente e diabolica con le fattezze di Ornella Muti che all’epoca scuoteva l’immaginario ormonico maschile. Umorismo becero, gore & splatter, atmosfere gotiche…pagine di carte rigorosamente a bianco e nero inchiostrate malissimo…

Oggi, nell’epoca del virtuale, del sesso da Grande Fratello, quei grossolani fumetti, con sproporzioni anatomiche fanno sorridere … ma quanto si sono divertiti i cinquantenni di oggi? E soprattutto qualcuno mi spiegherà perché diavolo il gotico fa sempre rima con sesso?

Lungo i bordi... scorre la musica dei Massimo Volume

2011-04-12T12:46:00.000-07:00

Si avvale della mano di uno dei musicisti più colti e geniali della scena nazionale, Faust’O, Lungo i Bordi, il lavoro più riuscito dei Massimo Volume.

Il secondo lavoro del gruppo bolognese entra nel cuore dei fans grazie ad un connubio riuscito fra liriche poetiche e sonorità rock che spaziano dal rumorismo più acceso allo straniamento post punk e new wave caro a Joy Division e Nick Cave. Mi verrebbe da dire man mano che la puntina avanza sul vinile, tanto il lavoro mi ricorda gli LP di una volta, si scivola “dolcemente” verso nervose schitarrate che illuminano visionari ed immaginifici film noir. La title – track è un capolavoro cupo di ansie giovanili, con il basso marziale , angosciante e metallico che ritorna anche in "Fuoco Fatuo". Chiude “Ravenna” sonnolento folk da reminiscenze d’oltreoceano. Ed allora rifletto su questo disco tutto da ascoltare e da vivere, perché come dicono i Massimo Volume .. il tempo scorre lungo i bordi… nel limite dove abita la poesia…

Dal ristorante cinese dei Chrisma

2011-04-12T10:58:00.000-07:00

1977. Un anno leggendario per la musica rock.

Fatte le debite proporzioni, in Italia, esce Chinese Restaurant dei Chrisma. Assoluta meteora del movimento punk wave nazionale, e per questo ancora più fulgida. Nell’insolita veste di duo, Maurizio Arcieri già negli storici New Dada, e la sua compagna Christina Moser propongono sonorità dirompenti nel panorama nostrano.

Trascinato da singoli U e Lola offrono al bigotto pubblico ammorbato dai Sanremo e dai musicarelli un insolito mixer di mugolii, atmosfere decadenti ed in scena gesti allusivi di performance sessuali. I più ricorderanno anche delle provocatorie performance, con innovativi inserti elettronici, basti pensare al classico di qualche estate fa, Many Kisses. D’incanto Londra e Berlino irrompono con i Chrisma in Italia e così il riflusso continentale del punk e della new wave.

Non sono certo della reperibilità di quest’album con una copertina dai toni alla Bowie, ma riascoltare dopo anni le lascive danze elettroniche alla Alan Vega di Lola procurano ancora oggi grandi sussulti.

Voyeur, underground e osceno: Richard Kern

2011-04-12T09:48:00.000-07:00

La New York di Richard Kern non lascia spazio all’immaginazione. È un paradiso al contrario. Landa desolata brulicante di sangue, sesso, violenza punk, nichilismo spinto all’estremo.

Un mondo dove la legge è la trasgressione. Dopo un trentennio la produzione di uno degli artisti underground per eccellenza, ancora colpisce con il suo impatto emotivo e con la sua ferocia che nel dorato yuppismo dei primi eighties creò scompiglio fra i benpensanti. Nel Lower East Side si muovono fianco a fianco artisti, tossici, pusher, prostitute in un macabro balletto che l’occhio cine e fotografico di Kern riprende come un entomologo. Il suo è un ritrattiamo spietato che denuncia uno dei mali della società capitalistica, l’equazione cinica e disperata di sesso e potere, il tutto condito da una schizofrenia che rende grottesca e parossistica la realtà.

La grande lezione impartita dal regista americano è forse quella del movimento del’77, ovvero la presa di coscienza di un antiautoritarismo in grado di fagocitare nell’autodeterminazione singola le istanze di crisi generazionali. Nei ritratti apparentemente banali di Kern e nelle sue fissità warholiane sta in germe quello che negli anni successivi sarebbe diventato uno dei tratti distintivi della società. Ovvero il voyeurismo. L’aspetto più affascinante di una cosa sta nell’atto stesso di guardarla. Da questa frase dell’artista scivolano a cascata le immagini di futuri e all’epoca inimmaginabili Grandi Fratelli, ma anche il voyeurismo domestico di Youporn, Youtube, Facebook, Twitter…

Da Goodbye 42th street con l’infilata dei teatrini off a luci rosse fino a Deathtrip , bastano pochi mezzi, ma buone idee , a scuotere la civiltà ed affilare i denti per mordere la sessualità bigotta di molte fasce della società. Il sesso di Kern non è ne patinato e castigato, né giocoso o triste, è meramente il termometro con cui misurare il grado di follia delle persone, è un cancro che si è instaurato nella carne e simbioticamente se ne nutre. Nessuno ne può fare a meno, in un crescendo di morbosità vorace e malsana. Le donne di Kern, tra cui l’attrice cantante punk no wave Lydia Lunch, sono maltrattate e violentate nella propria sessualità, ma ciò nonostante gravitano per strada ed in squallidi motel alla ricerca di uomini che possano abusarne in maniera brutale. Il paradigmatico rapporto fra padrone e schiavo, carceriere ed aguzzino, tocca in questi lavori abissi senza precedenti.

Apice dell’arte di Kern, che qui gode della collaborazione di un altro nume tutelare dell’underground, Nick Zedd, è The Manhattan Love Suicides, un’opera composta da quattro singoli episodi, summa dell’esplorazione della sessualità malsana, oscena per il semplice fatto di essere in mostra. Nel primo episodio un artista ossessionato da un individuo che lo pedina finisce per staccarsi brandelli del corpo. Il secondo celebra le voglie di una donna che si eccita in automobile, mentre nel terzo e nel quarto, di scena rispettivamente le voglie autodistruttive masochiste di una coppia e le follie necrofile dell’attore Zedd. Ma per poter onorare al meglio i capolavori underground di Zedd, bisogn guardarli e riguardarli, ogni descrizione è quasi fuorviante per il re dei voyeurismi.

L'alchimia di Peter Greenaway

2011-04-12T07:42:00.000-07:00

Con Peter Greenaway si affronta una suggestiva commistione fra pittura e cinema che pochi registi hanno toccato nella loro carriera.

Vertice assoluto della sua arte, a mio modesto parere I Misteri del Giardino di Compton House ( The draughtman’s Contract), una pellicola del 1982 che celebra artisti quali Caravaggio, Constable, Turner, La Tour, Gainsborough ed il paesaggismo di scuola olandese ed inglese.

Come nelle altre pellicole del regista britannico, il plot narrativo diventa un mero espediente per veicolare una sovrabbondanza quasi barocca di richiami colti pittorici. Il protagonista di questo film, un pittore stesso, che verrà ucciso in un complesso gioco di intrighi è la chiave narrativa per riflettere sul sempiterno ambiguo rapporto fra committente ed artista. I

n poco più di un’ora e mezza Greenaway grazie ad immagini di rara bellezza ci catapulta nell’universo del cinema come pittura in un increbile parallelo fra reticolo ottico e macchina da presa. Ogni volta che rivedo questo film, inevitabilmente ritorno agli anni dell’università, alle lezioni di storia dell’arte, all’incanto dell’immagine, e di come si costruisce, e del fantomatico gioco fra luce ed ombra.

Mi ha sempre fatto riflettere una frase di Greenaway “ Al cinema come al teatro, il regista crea la durata in cui si colloca lo spettatore, mentre con la pittura è colui che guarda che crea la propria durata. Davanti ad un quadro si può restare pochi secondi o ore intere e la percezione sarà completamente diversa, diventando sempre più contemplativa che emotiva, un approccio più intellettuale, più cerebrale”.

Ritengo che questo assunto possa essere il passepartout per comprendere un regista spesso definito dai più cerebrale ed ostico anche se suggerisco spesso di godere della bellezza delle immagini e della insuperabile alchimia con la musica donatagli dal favoloso sodalizio con il grande Michael Nyman!