Arrevuoto, o del Salerno Tango Festival

Arrevuoto. Quando mi hanno chiamato tempo fa Giampiero e Peppe parlandomi di un nuovo evento nel panorama tanguero, ho subito avuto la certezza che il Salerno International Tango Festival sarebbe stata una grande kermesse. 

Perché il loro genuino entusiasmo unito ad una profonda conoscenza dell'ambiente tanguero mondiale avrebbe contagiato moltissimi appassionati pronti a scommettere su Salerno. 

E così é stato. 

Sebbene lo abbia vissuto parzialmente, mi é entrato nella pelle fin da quando sono atterrato in pista. Una grandissima energia coniugata ad una voglia di divertirsi libera da orpelli, finte amicizie, ipocrisie formali che talvolta avviliscono e rendono stantio le manifestazioni nazionali. Vedere ballare dalle 22.00 fino all'alba, senza fermarsi una pista dinamica e vogliosa di interpretare ogni orchestra, ogni ritmo, ogni singolo brano come se fosse l'ultimo della notte é davvero impagabile. I reportage fotografici che affollano il web, facebook, ed altri social network spesso raccontano più di mille parole, ma meno di un semplice abbraccio. Per quello bisogna sempre affidarsi alle emozioni dal vivo. 

La gran milonga del sabato ha registrato una straordinaria performance di Julio Balmaceda y Corina De La Rosa. Era tanto, troppo tempo che non mi gustavo una loro esibizione dal vivo. Ed ancora una volta non sono stato deluso. Ancora una volta ho visto l'epifania del tango, un incedere di movimenti  che non sono un mero esercizio fisico ma disegnano la musica riempiendone lo spazio. Una densità musicale e giocosa con un timido accenno di teatralità che volutamente gli artisti hanno riservato all'ultimo brano, uno splendido ed ipercalorico di pathos Nonino. Struggente nel finale  che porta all'acme la summa del ballo di Julio e Corina e la loro filosofia, raccontare la vita e le sue emozioni attraverso il tango. 

Ballare a ridosso del mare, incastonati nell'incipiente Costiera ha aggiunto un ulteriore fascino questo é indubbio, ma il segreto della seduzione del Salerno Tango Festival é racchiuso secondo me nella partecipazione di un  pubblico grande , non solo nei numeri, ma in primo luogo nel calore e nell'approccio mentale. Su questo ha inciso la sua composizione geografica con presenze da ogni landa, Nord Europa, Russia ed Est, Francia, Germania, Italia, Extra UE si sono affiancati come tessere di un magnifico puzzle. DJ di altissimo livello, maestri strepitosi, oltre a Julio e Corina,  Mario Consiglieri ed Anabella Diaz Hojiman, Fausto Carpino e Stephanie Fesneau, hanno innescato la miccia di una bomba energetica che era difficile ipotizzare alla prima edizione. 

Molte volte sottovalutiamo l'apporto dello staff e di quanti in giro per il mondo cercano di promuovere una iniziativa, spesso senza avere alcuna gratificazione materiale, ma solo con il compenso intimo di aver contribuito a renderla migliore. Qui a Salerno ho visto un gruppo che senza gerarchia si occupava di ogni minimo dettaglio, dove anche gli organizzatori in prima battuta facevano il lavoro "sporco". Un segnale importante che rende il tutto più umano e cancellando ogni distanza tra pubblico, artisti e macchina organizzativa rende il festival proprietà di chiunque decida di parteciparvi. 

Ho alcuni flash che a distanza mi scattano dinanzi agli occhi, dal pubblico in movimento osservato dall'alto della consolle, all'abbraccio di Julio e Corina, ai grandissimi tangheros che consumavano la pista, citarli tutti sarebbe impossibile, farei un toro a tanti amici, ma davvero ho visto un livello spaziale. Le ultime due - tre ore erano davvero una delizia per gli occhi, con ballerine fantastiche tali da farti passare la voglia di musicalizzare e scendere l'altra parte della barricata. Mi ha fatto piacere vedere tanti colleghi, sembrava un congresso del sindacato dei TJ. 

Cosa mi rimane di Salerno oltre all'attesa della prossima edizione? 

L'alba  che come una sindone fa trasparire sui volti sfatti dalle fatiche notturne la gioia del tango e lo sguardo soddisfatto di Giampiero e Peppe, due inguaribili sognatori contenti di aver procurato tale gioia. E'stato più difficile del solito per me concludere questa serata, scegliere l'ultima tanda, forse perché inconsciamente non avrei mai voluto chiudere. Ma sono sicuro che ogni tanghero dopo questo festival continuerà a portare con sé la colonna sonora di Salerno. 

Al tango non si sfugge…anche quando la musica all'esterno ha cessato di suonare.

Intervista Corriere della Sera - Corriere del Veneto

Intervista apparsa sul Corriere della Sera / Corriere del Veneto
Sabato 18 agosto 2012.

Trapano mon amour, Driller Killer

Maledizione e redenzione, nevrosi metropolitane e complessi derivanti dall'educazione cattolica. Gli stilemi della sua produzione matura sono già presenti in The Driller Killer del 1979.

 E' in questo thriller urbano, teso e volutamente scomodo che uno dei registi morbosi per eccellenza, Abel Ferrara si fa le ossa. Studia per girare da grande capolavori del calibro de Il cattivo Tenente, Fratelli e King of New York. Un pittore d'avanguardia, interpretato dallo stesso regista, alle prese con uil problema insormontabile di creare e soprattutto gestire i rapporti umani, si diverte a trapanare dei poveri clochard in giro. Le immagini sono crudeli e stranianti e riportano con nostalgia alle avanguardia a cavallo fra i '70 e '80. 

Non vale la pena dannarsi per ricercare una morale nel film, qui siamo dalle parti di una esplosione psichedelica senza precedenti dove la narrazione é il pretesto per dare sfogo alle personali ossessioni del regista. Una pellicola interessante che lancia uno squarcio su alcune zone d'ombra della nostra personalità e che in alcune occasioni pare addebitare ogni gesto violento alla follia che spesso investe l'intera città e l'umanità stessa.

Furore, l'epica "popolare"di John Ford

Ci sono dei film  a cui l'aggettivo epico calza a pennello. Vero, ne sono pochi, e forse nell'ultimo ventennio ne sono usciti in numero ridotto, specie se paragonato all'epoca d'oro di Hollywood. Furore é uno di questi. 

Uno dei capolavori del leggendario John Ford, la quintessenza del cinema americano, che nel 1940 riadattó per il grande schermo un celebre romanzo di Steinbeck. La trama vede al centro dell'azione Henry Fonda nei panni di Tom joad, un galeotto che scontata la condanna torna dalla sua famiglia e la trova vessata dalla banche e dalla siccità. Siamo nel pieno della Grande Depressione e l'unico modo per dare una svolta ad una misera esistenza  é cambiare vita. Ma per la povera gente questo sembra impossibile, per quel brulicare di persone affamate che perdono " gli anelli più deboli "della catena lungo la strada pare un miraggio. Solo la caparbietà e l'ostinazione di mamma Joad riescono a tenere unita la famiglia. Giunti in un campo profughi Tom cerca di bloccare dei sobillatori  e successivamente inseguito dalla polizia perché ha assassinato uno dei responsabili della morte del suo amico , il predicatore Casey, decide di continuare il suo viaggio verso il sogno americano. 

Di questo capolavoro mi affascinano le immagini corali, il popolo in marcia, il senso quasi biblico della fotografia di Gregg Toland. La mia associazione di idee riporta i grandi piani immagine con l'esodo del popolo d'Israele nei Dieci Comandamenti. Credo che nessun regista abbia mai eguagliato la grandezza di Ford nel rendere monumentale gli umili, il popolo che attraverso una lotta contro un destino ingrato ed avverso cerca di riscattarsi. 

Certo, forse alcune interpretazioni del capolavoro di Steinbeck ed il finale ottimistico appaiono ingenue a distanza di anni, ma la voglia di solidarietà e giustizia al servizio della povera gente rimane ancora oggi di grande attualità. Un film dedicato a quanti riducono John Ford ad un mero regista di western o un conservatore pieno di pregiudizi e non vogliono leggerne l'alfiere ed il cantore della religiosità laica. Quel sentimento endemico e sotterraneo che ha costruito il popolo americano.

MSTF 2012: TODA JOIA, TODA BELEZA

Sono appena uscito dalla magia del Mediterranean Summer Tango Festival. A Porec, sulla costa croata che esprime al meglio la seducente bellezza dei profumi e colori del Mediterraneo, si é rinnovato l'incanto dell'unica Love Parade tanghera al mondo. 

Dopo due splendide edizioni, il 2012 ha registrato l'epifania di un evento che nella grandezza dei numeri da festival é riuscito ad offrire una dimensione di complicità e di convivialitá fra amici che spesso si ritrovano in dimensioni più contenute. L'alchimia di questo successo mi é oscura. 

Che sia l'organizzazione ed il mood tanghero creato da Zrinko e Tajana? Che siano le location scelte dove ambientare le milonghe? Che sia il team degli artisti scelti per una innegabile affinità con questa visione dell'universo tango? che sia "colpa"di uno strepitoso pubblico giovane, anagraficamente e soprattutto nello spirito, proveniente da tutto il mondo? O forse la "colpa "é semplicemente del tango, di quel linguaggio universale con cui si riesce a dialogare con chiunque abbia voglia di mettere in gioco le proprie sensazioni semplicemente con un abbraccio. Mi riecheggiano nei timpani, con un sottofondo onirico, le voci festose della milonga, di questa ronda collettiva vulcanica nella propria energia. Un'onda libera da qualsiasi tristezza o invidie sotterranee che spesso macchiano eventi nostrani. 

Quando Zrinko e Tajana tre anni fa mi parlavano del MSTF, io sognavo un festival di questo tipo, dove il tango espresso dai suoi grandi interpreti convivesse con una incredibile voglia di divertirsi del pubblico. Repetita iuvant , una love parade tanguera. E questo si é realizzato. Le 1000 persone presenti il sabato sera in milonga esplodevano di gioia e pura voglia di divertirsi. Su questo forse ha una parte importante  anche quel vento creativo e positivo di nouvelle vague tanghera che soffia da e per l'Est, una tango renaissance di cui ho già parlato addietro. Nell'attesa di vedere in giro, nella sterminata prateria del web, l'invasione di foto e videoclip che meglio di ogni parola traducono e colgono gli attimi più significativi di questo evento, non mi stancherò di rivivere i momenti che mi hanno segnato. 

Il pool party con la musica fantastica di Osky Casas ed il Chino Necchi, un incredibile duo argentino dall'esuberante attitudine hip hop con le loro cortine davvero cool. Un party degno della MTV, con il pubblico pronto a raffreddare le bollenti piernas in piscina. 

Le milonghe della noche sono state indimenticabili. Il venerdì un mix squisito di due anime latine, Analia La Rubia del Giglio, seducente nella ricercata scelta musicale, mai banale, ha creato un'onda avvolgente di ritmi serrati e ritmi soavi. Un'alternanza sonora affascinante condotta dal cuore della notte fino all'alba dal talento straordinario di Mauro Berardi. Le sue selezioni sono pura benzina per i tangheri. Un approccio alla consolle controllato e mai sopra le righe, privo di masturbazioni intellettuali da collezionista alla ricerca del tango perduto, ma dotato di un "contagiri" che, grazie ad  un raro senso della misura sceglie e determina i tempi della milonga. 

Il cast di ballerini eccezionale: Carlitos Espinoza e Noelia Hurtado si "mangiano"la pista. Ritmo, esuberanza giovanile, musicalità, ma soprattutto la seduzione della musicalità. Un tango denso, ma nello stesso tempo soave che ha coinvolto ed affascinato i presenti. Nell'apparente semplicitá di alcuni passi si nasconde un talento geniale, quello che fa apparire facile quello che in realtà non lo é. Ed in questo Carlitos e Noelia sono due grandi maestri. Anche nella leggerezza d'esecuzione. Noelia si muove su un tappeto d'aria rarefatta dove affonda dei boleos di ammaliante bellezza. 

Con Bruno Tombari e Mariangeles Caamano diventiamo subito complici di un affascinante gioco dove il tango diventa un linguaggio quasi adolescenziale nella purezza. Una dinamica fatta di allegria, abilitá tecnica e teatralità. Siamo in un territorio cinematografico dove due attori traducono le proprie emozioni per il pubblico, che vede finalmente in pista quello che spesso viene celato. Ovvero che il tango ad alti livelli é anche gioco e  divertimento. Bruno in show é esattamente quello che vediamo in milonga. Un antidivo dotato di una contagiosa voglia di vivere e divertirsi che trasforma la milonga in un club da vecchi amici. E' impossibile non restare coinvolti dalla sua incredibile energia. Mariangeles la partner perfetta che grazie ad una grande tecnica e personalitá si integra in questo ammiccante rimbalzo di sguardi, passi ed abbracci. Unici. 

Viva el Tango, orchestra di Raul Garello, voce del Polaco Goyeneche. Chicho e Juana a Porec hanno sciorinato una delle loro migliori performance di sempre, il che equivale a dire una delle migliori esibizioni tanguere di sempre. La maturità artistica, l'interpretazione di una letra così profonda, il movimento che disegna nello spazio e nel piso la musica. Ho provato un brivido sulla schiena nell'osservarLi ballare. Straordinari. E domenica il miracolo si é ripetuto. Chicho e Juana hanno letteralmente sfondato le porte della percezione tanghera con una dimostrazione della loro arte che altresì é il personale tributo all'amore per il tango. Un crescendo di emozioni partito alla lontana, da un soave Fresedo per approdare alla contemporaneità di Johansen. Con Chicho e Juana il tango diventa la colonna sonora della vita, dei sogni, delle delusioni, dei sentimenti, delle amicizie che ne permeano il cammino. 

Di grande impatto anche gli special guest, El Chino Necchi e Carla Marano, Marko Miljevic e Maja Petrovic, nuove ed interessanti proposte la cui ascesa nel grande panorama tanguero internazionale é già iniziata.

Ma Porec vuol dire anche e soprattutto Boat Trip, un meraviglioso pomeriggio all'insegna della dance degli ultimi trent'anni con un pubblico tanghero scatenato sotto le note di Bob Sinclair, David Guetta, Beyonce, Black Eyed Peas, ma anche Bee Gees, Gloria Gaynor, ABBA. Il mare davanti a Porec e Rovigno diventa il teatro dell'epifania del divertimento non più tanghero, ma generazionale di un gruppo di amici da tutto il mondo che condividono l'amore per la musica e per la gioia di vivere. La gang di Belgrado, gli amici della Croazia, il gruppo dalla Russia, le ragazze dalla Grecia, i numerosi amici italiani si ritrovano per qualche ora ad avere diciotto anni, per me l'età più affascinante, a rimandare indietro le lancette del tempo e rivivere le feste nei club e nelle disco, con una scenografia di gran lunga migliore. Ed il tuffo collettivo nelle acque croate é un rito purificatorio di sana "follia collettiva": riappropriarsi della propria virginale purezza adolescenziale. 

Porec é questo e molto altro.  Uno stato dell'esistenza, una stagione della vita. la più spensierata, la più affascinante.

Toda Joia , Toda Beleza.

SOLO TANGO ORQUESTA , IN MILONGA RIVIVE L’EPOCA D’ORO DEL TANGO

Sono pochi gli artisti nel tango in grado ancora di sorprendermi ed emozionarmi. Tra questi rientra sicuramente nell’olimpo del mio gradimento personale, ma ritengo tale giudizio condivisibile da molti, una orchestra straordinaria, Solo Tango. 

Li ho riascoltati di recente al Festival Tango World in Venice e sono rimasto letteralmente abbagliato dalla bellezza e dalla pulizia del loro suono. Due serate all’insegna di un repertorio non ripetitivo che ha abbracciato alla perfezione l’intera storia del tango. Quattro giovani talenti russi, mai fuori le righe, misurati, dotati di una tecnica straordinaria , non è algida esecuzione accademica, che si fanno alfieri di  una tango renaissance che vede la stella polare puntare dritto verso la Russia e l’Est Europa. 

La sensazione più incredibile, riferitami anche da molti tangueri presenti alla milonga, è quella di ascoltare un cd. Perfetto. Nella interpretazione personale, perché la Solo Tango Orquesta  rivisita i brani, c’è una classicità non manierista, ma che seduce il pubblico  costringendolo a scendere in pista ed a ballare Invierno, come se fosse davvero l’orchestra di Canaro a suonare. Spesso il pubblico si innervosisce e preferisce non ballare in milonga quando suona una orchestra. Generalmente perché c’è il proliferare di orchestre non all’altezza o con un repertorio non ballabile di piazzolliana memoria. 

Con Solo Tango invece è impossibile rimanere incollati alla sedia, la proposizione in tande inoltre garantisce una ballabilità al 100% e ,più di una volta mi è capitata la sensazione di trovarmi al centro della ronda de ases, poker dei brani indimenticabili – simbolo di un’orchestra, da D’Arienzo a Canaro passando per Biagi.   

Vedere ragazzi così giovani mettere al servizio della milonga, del suo pubblico, dei ballerini il proprio talento e la propria passione, mi riempie di gioia, perché intravedo il futuro del tango, di un linguaggio universale che da Buenos Aires trova linfa vitale in Europa e con orgoglio assolutizza il suo messaggio. Un linguaggio che non ha bisogno di parole, ma che traduce le sensazioni con la musica. Ed in questo i Solo Tango sono dei maestri assoluti.

Belgrade Tango Encuentro ... do it again... do it forever

Ritornare in un posto dove si sono vissute emozioni incredibili é sempre pericoloso. La delusione può aggredirti all'improvviso, la stanchezza assalirti e la noia farti ripiombare in uno sconforto esistenziale dove le attese si traducono in paranoie. Ma ancora una volta Belgrado si rivela l'epifania dello spirito tanguero. Una manifestazione che rivela ai partecipanti un mondo. Un universo dove la cultura e lo spirito del tango permeano tutti i presenti rendendoli protagonisti assoluti di quello che stanno vivendo. Raramente ho trovato un clima di tale complicità fra pubblico e maestri, orchestre, artisti e staff. Alcune volte mi fermo ad analizzare quello che succede nel Belgrade Tango Encuentro , e credo che una delle ragioni di questo successo sia dato da due fattori: una organizzazione perfetta  che mette a proprio agio ognuno e si sforza di risolvere qualsiasi problema logistico ed organizzativo con un calore umano ed una professionalitá irripetibili. Sonja, Darko, e tutti i ragazzi ti fanno sentire subito uno di loro, come se anche per qualche giorno tu facessi parte di quella meravigliosa gioventù' serba che popola le strade di Belgrado. Una città magica che ad ogni angolo sprizza la gioia di vivere, con ragazzi seduti ai bar e a passeggio per le strade che dalle zone pedonali fino alla fortezza del Kalemegdan vivono all'aperto mettendo a nudo i propri sentimenti. Come se volessero condividere con tutti la gioia di vivere. Una città sincera fino all'osso con voglia di divertirsi brulicante di energia fisica ed intellettuale. Forse questo clima spiega anche perché le performance dei maestri qui a Belgrado sono sempre straordinarie. Posso parlare ovviamente solo di quelle cui ho assistito, perché la mia partecipazione é stata parziale. Ma vedere Sebastian Arce e Mariana Montes sciorinare una esibizione di rigore e bellezza assoluta come quella del sabato sera al centro militare, vale da sola il prezzo del biglietto. Ne "El Adios' del maestro Pugliese, l'apparente semplicità e la geometria cristallina dell'esecuzione nascondono una intensità carica di pathos dove ogni singola nota del tema é straordinariamente disegnata dai movimenti degli artisti. Una purezza formale che prosegue ne la Mimada per caricarsi  di barocca eruzione energetica in Amurado, semplicemente divino. Un brano di rara difficoltà che lascia il pubblico letteralmente a bocca aperta. Ma é il bis, ovvero il quarto tema a far attraversare di brividi la schiena dei presenti. Sebastian e Mariana regalano al pubblico un Canaro ballato con una semplicità disarmante ed assoluta. Si cammina, si fa qualche ocho, un cortado…ma lo scarto con la realtà é enorme. Forse nessuno si sarebbe aspettato una interpretazione simile, avulsa da qualsiasi virtuosismo, ma proprio per questo di una grandezza sbalorditiva. Perché il tocco geniale é rendere abbagliante i semplici dettami del tango, quello che si chiama l'Abc, che nessuno avrebbe il coraggio di eseguire davanti ad un pubblico variegato , esigente ed internazionale come quello di Belgrado. Il risultato é abbacinante … scroscio di applausi e la sensazione in ognuno di noi che la bellezza del tango spesso si racchiude nella semplicità della forma. A patto che questa sia diffusa con la perfezione classica di stampo "palladiano" che contraddistingue le performance di Sebastian e Marian. La sera precedente ho vissuto dal di dentro la chimica del festival, perché non lavorando in consolle ho potuto osservare con calma gli sguardi estatici e rilassati del pubblico che ha letteralmente consumato il pavimento della sala, un centro culturale universitario con una energia da tempio del rock e godere in pieno della performance di Bruno Tombari  e Mariangeles Caamano che hanno deliziato con una performance personale ed intensa dove emerge sempre la voglia di ricercare una interpretazione irriducibile a nessun altro. Uno stile unico ed individuale che con sottile e giocosa ironia legge un repertorio tanghero che spazia dal classico al contemporaneo. Ma la grande sensazione per me é aver ascoltato le selezioni straordinarie di Horacio Godoy, un maestro assoluto dell'arte del tangodjing. Una energia esplosiva, ma sempre sotto controllo che grazie ad una mirabile alternanza di pieni e vuoti, ritmica e melodia ha incantato il pubblico. Mai ripetitivo, geniale, con temi non banali che, coniugati insieme ai grandi classi hanno dato un cocktail incendiario. Non ci si improvvisa in consolle e soprattutto il maestro Horacio Godoy ci rende protagonisti di un viaggio nella storia del tango senza quella arroganza che hanno taluni insulsi collezionisti mettendo sullo stesso piano la quantità di tanghi e l'arte di far ballare il pubblico. Abbandonare Belgrado mi comporta sempre un grande sforzo non in termini fisici, ma mentali perché vuol dire lasciare tanti amici ed abbandonare l'energia di una città unica per molti versi. I sorrisi e l'empatia che condivido con tutto il meraviglioso staff del Belgrade Tango Encuentro, Darko, Sonja, Marina, Ana, Jelena, Milena, Neven, … li porto dentro con me per un intero anno. Quando l'anno scorso ho parlato di Tango Renaissance non mi sbagliavo. Il futuro del tango in Europa inevitabilmente si gioca all'Est, é da quella direzione che soffia il vento del rinnovamento tanguero. Un movimento dove si vive il tango nel suo spirito, senza le contraddizioni e le miserie cui spesso siamo abituati in altri lidi. Un grande abbraccio alla mia amata Belgrado ed a tutto il Belgrade Tango Encuentro !!! Siamo già in rampa di lancio per il 2013!!! Se qualcuno fosse come San Tommaso… su You Tube, vedo e credo.

Sfogatevi Bestie

Nel variegato panorama jazz rock e pro tricolore un prodotto sui generis é sicuramente "Sfogatevi bestie"del tastierista Roberto Colombo. Un album del 1976 che a più di qualcuno ricorderà lo spirito dissacrante del maestro Frank Zappa. Giá collaboratore e sessionman di nomi storici del rock italiano quali Orme, PFM, Patty Pravo, Colombo prima di diventare un produttore di successo consegna alla storia tre album di cui il migliore é senza dubbio il primo che vanta anche la partecipazione di artisti provenienti da Perigeo, New Trolls e PFM. Nelle sette tracce che lo compongono il rigore prog strumentale é mitigato da una certa mediterranei di fondo che tanto caratterizzava la scena italiana dell'epoca, senza tralasciare assolutamente la sperimentazione. Un lavoro che ci serve da faro per illuminare un periodo breve ma glorioso della musica alternativa italiana, quando la tecnica non era solo fine a se stessa, ma un viatico per portare al pubblico idee e sogni di una generazione che aveva osato portare l'assalto al cielo. E' da un pó che riascolto il prog e jazz rock italiano, inevitabilmente con nostalgia, ma é più forte di me. Qualche volta, almeno per le scelte musicali e cinematografiche ho la consapevolezza di essere nato nell'epoca sbagliata.

Aelita il sogno fantascientifico costruttivista

Ci sono opere cinematografiche che inevitabilmente sono datate, non tanto cronologicamente, ma per l’essere ancorate ad ideologie che ormai la storia ha superato. Non di meno il loro fascino in quanto opera d’arte rimane immutato. Aelita di Jakov Protazanov, rientra in questa casistica. Girato nel 1924, al di là dell’intento propagandistico con cui fu propinato alle masse rappresenta una pellicola d’avanguardia attuale per quelle suggestioni architettoniche che solo il cinema sovietico ha saputo offrire. Strepitose sono le architetture fantascientifiche, che con studiati criteri geometrici sono rese mediante complesse scenografie costruttiviste, una corrente artistica il cui protagonista indiscusso fu Tatlin. Estremo ed ardito in alcune soluzioni ma geniale, al pari di stare insieme alle scene fantastiche di melis e Fritza Lang. Il viaggio immaginifico su Marte era per il suo regista l’escamotage per narrare mondi fantastici e rigorosi, dove il rigore è quello delle insolite architetture che finiscono per frastornare lo spettatore. Ma a distanza quasi di un secolo, se il plot narrativo è indigesto ed astruso ci si può tranquillamente abbandonare alla bellezza delle immagini. Arte per l’arte, … ma non ditelo ai costruttivisti.

Aspettando Torino Tango Festival n.12

A Pasqua ritorna l’appuntamento con Il Torino Tango Festival. Imperdibile per gli amanti ed appassionati del tango argentino. Anche per questa edizione la possibilità di gustarsi alcune tra le coppie di artisti più rappresentative nel panorama mondiale. La cornice del Lingotto, edificio gloria della svolta industriale del BelPaese, adiacente ad un tempio dell’enogastronomia di qualità quale Eataly, farà da sfondo ad una kermesse che preannuncia i fuochi artificiali. Sebastian Arce e Mariana Montes, Esteban Moreno e Claudia Codega, Damian Rosenthal e Celine Ruiz, El Pajaro Riemer e Maria Belene Giachello, Sebastian Achaval e Roxana Suarez, Erna e Santiago Giachello, di sicuro riusciranno ad entusiasmare la folla che ogni anno attende con trepidazione questo evento. Torino è per me un bilancio del primo trimestre tanguero, una sorta di verifica per gli artisti ed il popolo tanguero prima dell’estate. Non a caso è la location dove si presentano ad un pubblico internazionale, con significative presenze dall’Est, patria della nuova tango renaissance in Europa, alcune coreografie che domineranno i mesi a seguire. La qualità della selezione musicale è poi sempre garantita, dal vivo con il concerto dell’Ensemble Hyperion, un classico con il loro repertorio ballabile al 100% e con le selezioni di alcuni mostri sacri della consolle, in testa la leggenda Portena Feliz Picherna. Ad aumentare la quota di DNA argentino nel repertorio dei musicalizador quest’anno anche il grandissimo Marcelo Rojas. Quindi ancora qualche giorno per riprendere il fiato, al Lingotto si balla fino alle 08.00, e pronti a tuffarsi in questa nuova avventura.

Le ultime parole di Dutch "Burroughs" Schultz

Di certo non è uno dei lavori più celebri di William S. Burroughs, ma uno dei più folgoranti sì. In virtù di compendiare in un testo stringato una delle più lucide riflessioni sulla morte del geniale autore di Saint Louis. “Le ultime parole di Dutch Schultz” è una sceneggiatura per un film mai realizzato che mette al centro dell’azione l’irresistibile ascesa al potere di Dutch che, negli anni Venti, da gestore di un bar clandestino in epoca proibizionista diventa il boss di un impero della birra sfidando la malavita ed i racket dei sindacati. 1200 sono in tutto le parole pronunciate dal gangster al capezzale, in questo libro caustico senza scendere nella prosa più cerebrale di altre opere. Non a caso si parla sempre di un film da girare in bianco e nero squarciato da esplosioni di sangue. Una sorta di western contemporaneo con al centro i temi della vendetta e della rivincita, sebbene il destino sia sempre in agguato dietro l’angolo.

Aspro e rissoso, il genio di Marlowe

Edoardo II è una delle poche tragedie scritte da un personaggio quasi leggendario: Christopher Marlowe, elisabettiano maledetto “ il pioniere più ardito ed ispirato di tutta la letteratura poetica inglese”, secondo la definizione di Swinburne, libero pensatore e temperamento blasfemo, morto in circostanze poche chiare a soli ventinove anni per una pugnalata infertagli, autore di drammi grondanti lacrime, sangue e una straordinaria forza. Marlowe ( 1565 – 1593) dedicò al personaggio di Edoardo II la penultima delle sei tragedie rimaste, anche se in questo campo le attribuzioni non mancano, scritta nel 1591 in versi sciolti, e poi pubblicata nel 1593, lo stesso anno della morte dell’autore. Marlowe, nato nello stesso anno di Shakespeare, di origini plebee anche’egli, quantunque molte circostanze della sua vita siano avvolte nel mistero, ebbe carattere focoso e fu coinvolto in diverse risse, l’abitudine alle dispute e alle controversie religiose, alla meditazione sui problemi morali, favorirono in lui quellos scetticismo e quel senso di ribellione che dovettero fargli abbandonare la carriera ecclesiastica a cui probabilmente era stato indirizzato. Accanto all’attività di drammaturgo pare che ne esercitasse una più segreta per il governo. Al servizio di qualche importante personaggio, dove forse sembrò trovare il suo mondo congeniale, accentuando la sua libertà di pensiero, il suo machiavellismo di tipo elisabettiano, i suoi modi disordinati e violenti. Ebbe come compagni di baldoria, fra bevute, risse ed amori mercenari, gente d’ogni risma oltre che poeti e drammaturghi contemporanei. La sua vita licenziosa, il suo carattere aspro e rissoso, le accuse di immoralità ed empietà lo fecero, di lì a non molto, cadere in disgrazia. Strinse amicizia con il bardo Thomas Kyd, che poi lo accusò di ateismo, pericoloso per le eresie politiche, bestemmiatore, epicureo e forse la più grave di tutte, simpatizzante cattolico. Ma quel mondo di mezzani, di affari loschi, prostitute, di odi e ritorsioni, lo tradì. Infatti Marlowe fu ucciso in una rissa da taverna, pugnalato , e il suo nome coperto d’infamia anche dai posteri, tanto che trecento anni dopo gli fu negato un posto nel Poet’s Corner nell’Abbazia di Westminster. L’Edoardo II, tratto principalmente dalle Chronicles di Holinshed, cioè desunto dalle cronache della storia inglese, è un’operazione di gusto antico nella storia letteraria di questa nazione., il lavoro di Marlowe comprime i fatti storici per evidenti esigenze teatrali, dato che nella realtà i fatti storici vanno dall’ascesa al trono di Edoardo II nel 1307 alla caduta di Mortimer nel 1330, cambiando alcune circostanze, serbando però intero il significato storico del regno di Edoardo. L’ autore rivela il suo senso della storia sulla base di una situazione permanente che esprime la personale idea del tragico, nel conflitto tra l’io e la norma, immanente o trascendente, urto fra libertà e necessità, energia individuale e sfera dell’ordine, fornendo alle aspettative del pubblico chiusure edificanti consone all’etica ufficiale, ma facendo affiorare una visione della storia pari solo a quella di Shakespeare e Jonson per vigore espressivo e logica interna del suo realismo. Marlowe ha operato in interiorità nella delineazione dei suoi vari personaggi e del mondo che essi compongono, individui pieni di superbia ed orgoglio che vogliono perseguire, ad onta di tutto, quel che sta loro a cuore e che esalta la loro necessità di primeggiare, incondizionatamente, pronti ed intrepidi ad affrontare guerra e morte. La virtù del dramma sta in un suo armonico equilibrio, nella quasi assoluta assenza di enfasi e retorica, nella stringatezza delle scene che si susseguono con esemplare forza rappresentativa, delineando caratteri ed ambienti in una coralità sempre attenta alla personalità del singolo, ad ogni individualità ricca d’una sua umanissima essenza, dove ineluttabilmente tutti saranno trascinati a conclusioni d’onore e insieme di disperata solitudine a cui sono condotti per una misura errata nei rapporti dell’umana loro consuetudine, e che teatralmente raggiungerà l’acme nelle scene finali della deposizione del re e della sua morte.

Una grande anthologia new wave

Un’altra compilation dedicata alla New wave. Questa volta siamo nei territori della Cramps records, ed in realtà come recita il sottotitolo siamo nel pieno della temperie e della rabbia punk e post –punk, per la precisione 1977 – 1980. Politicamente parlando nel pieno degli anni di piombo. Fin troppo facile dunque associare la violenza musicale di alcune proposte con la violenza civile della società reale, in anni che diedero una scossa rivoluzionaria al rock e non solo. Ventuno brani che attraversano pelle e padiglioni uditivi come una sventagliata di mitra. Si parte con il botto dei demenziali Skiantos di Io sono un autonomo ed il famoso incipit “Andate a lavorare teppisti” per passare ai milanesi Decibel di un imberbe Enrico Ruggeri ( erano lontani anni luce i tempi del giudice di X Factor) ed all’inno Nevadagaz dei Gaz nevada, impeto punk ed alienazione alla Devo. Una compilation che permette di riascoltare uno dei geni più sottovalutati della scena musicale tricolore, Faust’O con una traccia del calibro di Anche Zimmermann, mentre non manca, e bisogna esserne veramente grati, una incursione nella scena di Pordenone, con Hitlerss e Tampax. Se i leggendari Neon e gli Underground Life sono una scelta obbligata, sorprende in positivo godere nuovamente dell’ascolto dei Chrisma, antesignani e padri putativi della new wave. Nel 1977 suonavano un rockj elettronico davvero futurista. Da acquistare, anche perché il booklet è una miniera preziosa di notizie.

Gloria imperitura alla New Wave Italiana

La Spittle records che ha un catalogo davvero interessante per chi come me ha amato e continua ad amare la New Wave ed il Post Punk nostrano ha pubblicato una compilation doppia assolutamente imperdibile.

35 brani per esplorare il meglio dei gruppi, che allora si definivano underground, tra il 1980- 1986. Un titolo semplice ma evocativo, New Wave Italiana, per una copertina giallo punk che richiama alcuni volantini ciclostilati dell’epoca. Un’era geologica, in termini musicali, in cui la nostra scena musicale si affiancava per spirito e qualità a ridosso del movimento d’Albione. Con il passare del tempo emergono all’ascolto molte ingenuità, ed alcuni approcci datati, ma non scema l’entusiasmo con cui band composte da musicisti giovanissimi cercavano di far breccia nei gusti degli adolescenti dell’epoca, che presto sarebbero stati travolti dal pop di plastica degli anni’80 o dal rock mainstream di Simple Minds ed U2.

Non potevano mancare capisaldi dai due poli musicali per eccellenza: Firenze con i Diaframma del grandissimo Fiumani , qui con Pioggia, estratto da un 7” del 1982, i Neon, band che nel 1983 vinse il premio della critica su Rockerilla ed i Pankow di Maurizio Fasolo; e la “gaudente” Bologna, con le inquietitudini alla Talking Heads dei Gaz Nevada, fotografati prima della deriva dance di IC Love Affair.

Ma riascoltare a distanza di molti anni formazioni quali State of Art, i Rats, Chromagain, Jeunesse D’Ivoire fa venire sulla pelle ancora qualche brivido. Lunga vita alla new wave italiana.

War Requiem...la versione di Jarman

In War
Requiem, Derek Jarman edifica la narrazione intorno alla vicenda di un poeta
identificabile come Wilfred Owen, le cui poesie erano all’origine del Requiem,
ma le scarse notizie biografiche rendono impossibile determinare e
rappresentare episodi della sua vita, accanto ad altre quattro figure
principali: un vecchio soldato invalido, una infermiera, un soldato nemico ed
il milite ignoto. Ristretta l’azione all’essenziale, Jarman si serve di
immagini d’archivio dei due conflitti mondiali nonché della guerra dell’Afghanistan
e di altri atroci combattimenti; immagini molto violente, primi piani di
soldati lasciati morire, e alcune inedite sequenze recuperate all’Imperial War
Museum. I brnai in Super 8 richiamano alla memoria l’innocenza perduta, i
paesaggi agresti e la quiete domestica, e riscattano la tetra e claustrofobica
atmosfera di un presente girato in 35 mm., con un evidente messaggio
anitimilitarista. Questa storia è un inno all’assurdità della guerra: la
genuina e semplice esistenza trascorsa nel paese d’origine, la giornata da
soldato segnata dalla solita routine, e poi le trincee, il fango, i cannoni, le
bombe e le ferite, il sangue, la morte. Non ci sono eroi nelle poesie di Owen,
nessuna esplosione, niente foga, il film si concentra sui gesti minimi. Quattro
sono i diretti riferimenti alle arti figurative: il corpo di Owen nel Requiem
Aeternam allude al monumento alla memoria realizzato da Charles Jagger e
ubicato in Hyde Park a Londra; il milite ignoto è trasformato nella figura del
Cristo Risorto di Piero della Francesca con una immagine costruita secondo un
punto di vista ribassato, posto all’altezza dell’orlo del sepolcro, abbandonato
però nella parte alta per conservare una perfetta frontalità quasi bizantina al
volto e al busto di Cristo, la cui figura è perno della composizione; la scena
del Recordare è ispirata al quadro di un gruppo di suore che preparano le
fasciature da un libro sui poeti di guerra; mentre per l’Agnus Dei Jarman si
avvale di un dipinto su Gesù di un artista sconosciuto del periodo. Segni che
servono a contestualizzare l’azione e ad
evocare l’iconografia cristiana, anche se il regista non era credente, l’essere
cresciuto in un ambiente cristiano, gli fece sentire che le immagini di questa
religione gli appartenevano, come se fosse stato vittima di un contagio, al
pari di San Sebastiano o di San Giovanni.

Il cinema a Roma

Dopo una vaccata sui misteri di Roma, mi capita tra le mani un libro molto bello edito da Palombi editori di Flaminio Di Biagi dal titolo "Il cinema a Roma. Guida alla storia e ai luoghi del cinema nella capitale". Oltre 200 pagine che si leggono tutte d'un fiato su quello che forse é il set cinematografico a cielo aperto più rappresentato nel mondo della celluloide. Si ripercorre cronologicamente, con un linguaggio asciutto e per nulla retorico, il modo con cui la capitale é stat immortalata nelle pellicole dei grandi maestri internazionali ma anche dei minori nostrani. Il tutto sviscerato in profondità, dai monumenti simbolo, fino alle piazze , vie e borgate più decentrate. Alcuni capitoli di questo excursus temporale sono davvero appassionanti, penso al glorioso dopoguerra ed al Neorealismo dove Roma diventó davvero il valore aggiunto con il suo paesaggio di opere immortali quali Ladri di biciclette, Paisá, Umberto D, Roma città aperta, tanto per citarne alcuni. Per continuare negli anni gloriosi di Cinecittá e del boom della Commedia all'Italiana, un momento irripetibile del cinema nostrano che visse una congiunzione astrale incredibile. Le idee sembravano straripare, così come nel cinema di genere degli anni'70. Per un cinefilo poi la descrizione delle location per aree tematiche é davvero utilissima, e davvero scorrono in sequenza tanti film che hanno segnato la nostra memoria, riemergendo all'improvviso grazie ad un dettaglio magari sottovalutato.Un volume che potrebbe essere adottato dalle guide turistiche per percorsi alternativi interdisciplinari alla scoperta dell'Urbe. Una geografia del cinema che diventa geografia della città e forse anche dell'anima.

ALTRO CHE MISTERI DI ROMA… IL MISTERO É ARRIVARE ALLA FINE DEL LIBRO

ALTRO CHE MISTERI DI ROMA… IL MISTERO É ARRIVARE ALLA FINE DEL LIBRO

Come rendere un viaggio nella Capitale una banale gita per ragazzetti appassionati di giochi di ruolo. Mi sono imbattuto per caso in libreria in questo volume dal titolo quanto mai banale "Misteri di Roma" di Alberto Toso Fei ed ho provato ad addentrarmi nella sua lettura. Di una noia e di una superficialità uniche. Tutto sembra studiato a tavolino per rendere appassionante un viaggio che già di per sé é carico di fascino, ma si scade nei luoghi comuni più insulsi. Dopo una decina di pagine la noia mi attorciglia le budella, ed il girovagare a metá tra reale e immaginifico ha lo stesso effetto di un analgesico preso a stomaco vuoto per chi soffre di gastrite. E basta con questi inutili tagli noir, per creare un brivido finto come disneyland in qualche pensionata pronta a prendere la tintarella ad agosto. Irritazione. E se fossi romano, forse irritazione al cubo. Come dire, scrivere un libro ai tempi di Wikipedia,… non se ne avvertiva assolutamente il bisogno. Al contrario, per scoprire angoli nascosti della Capitale, altri sono i volumi indicati, come due uscite che intrecciano set cinematografici e luoghi della Capitale. A breve la recensione di uno di questi libri.

L'isola dei morti, incantevole paesaggio di Bocklin

L'Isola dei morti di Bocklin è un paesaggio bloccato in una inquietante immobilità, al di fuori del tempo e dello spazio reali. Il marrone neutrale delle rocce e il grigio plumbeo del cielo e del mare esaltano la bianca luminosità della figura in piedi nella barca. L’ artista tedesco prendeva le mosse dal realismo della vita, di cui voleva cogliere il dramma ancora secondo presupposti romantici, per rinvenire in quel dramma un contenuto trascendente, una soluzione misteriosa, una catarsi oltre quella realtà stessa che così sapientemente riproduceva. Singolare è il suo itinerario artistico, contrassegnato da un simbolismo che nulla deve al clima morboso e inquieto del simbolismo francese, ma nasce dalla commistione di mito e realtà, passato e presente, nell’atmosfera ambigua di un simbolismo allusivo,che richiama la wagneriana sintesi delle arti. La seduzione straordinaria che la sua opera pittorica sprigiona è dovuta alla amibiguità del contrasto tra figure reali e ambientazioni classiche, tra concretezza del reale e atemporalità del mito. Secondo Bocklin ogni quadro deve raccontare qualcosa, far pensare lo spettatore come se si trattasse dina espressione poetica e lasciare l’impressione di un brano musicale. L’artista svizzero dipingeva i suoi quadri con una costanza ancora realistica e una precisione accademica senza alcuna indeterminatezza di forme. Bocklin esplora sogni e misteri, miti e leggende, illustra situazioni cariche di pathos e tensione, popola le sue tele di creature fantastiche, e il mistero si insinua, riuscendo a suggestionare, affidandosi al contrasto surreale fra un vero frammentario e terrestre ed un’atmosfera magica e ignota che lo pervade . Un senso di angoscia profonda, di panico e il sovrastare dell’incognito e dell’inafferabile ai sensi, sottende i suoi paesaggi studiati pazientemente sul vero,frammento per frammento e ricomposti in un’invenzione che proveniva dall’interno che si collegava all’inconscio.

Il cinema di Andy Warhol, miti di massa e riproducibilitá tecnica

Andy Warhol, la cui influenza sarà immensa per tutta l'arte del dopoguerra, inizia una serie di una ventina di film muti tra il 1963 ed il 1964, poi girerà in totale una settantina di lavori, il cui successo é dovuto al suo atteggiamento freddo e distaccato rispetto ai soggetti che filma, di cui si limita a riprodurre azioni e confessioni, senza esprimere alcun giudizio. Promuove un'arte di superficie, priva di sentimenti, un universo di oggetti, di automi, rivelando una continuità ogiva tra le personali serigrafie e i suoi primi film, sviluppando una estetica dell'ascetismo che lo classifica tra i padri del cosiddetto cinema strutturale, introducendo una linea di demarcazione netta nella corrente sperimentale dell'epoca, abbandonando ogni riferimento di lirismo. La critica del vedere come critica del cinema stesso si identifica con la critica dell'universo visuale prodotto dalla società capitalistica totalmente sviluppata, vale a dire con la valutazione della forma in cui i rapporti sociali appaiono e si presentano, dell'immediata visualitá in cui sembra esaurirsi tutto il reale. Il cinema resta sempre un proceso senz aun soggetto che produce il mondo riproducendone senza mediazioni la forma iconica, e la tecnica é usata solo in funzione di questa forma riproduttiva. Tra i suoi film da ricordare le creazioni dell'ultimo periodo come The Chelsea Girls e Bike Boy che si presentano sotto forma di documentari, di saggi sociologici a metá strada tra realtà e fantasia su una certa fauna artistica. I suoi primi film, precursori del cinema strutturale, costituivano in una certa misura delle risposte ai problemi dell'immaginazione creativa e delle reazioni del pubblico, sollevti dal movimento postbellico dei film d'avanguardia, dei trance - film fino ai film mitopoietici. In questi lunghissimi film Warhol collocava la cinepresa in una posizione fissa e la lunghezza stessa della singola immagine avrebbe spinto lo spettatore a una nuova coscienza dell'esperienza percettiva. Il cinema di Warhol si identifica con la realtà, é una operazione culturale che sostituisce lo schermo cinematografico al mondo, producendo criticamente la sostanza dell'universo visivo in cui appare la totalità dei rapporti sociali. Identificandosi con l'occhio immobile della camera, l'artista pare rinunciare del tutto al proprio intervento, annullare ogni mediazione fra l'oggetto e la sua riproduzione, riconoscere che l'arte si é completamente realizzata nella fantasmagoria della merce, che la sensibilità si é interamente oggettivata, é divenuta una qualità delle cose, passando dal produttore al prodotto. Warhol analizza le forme del cinema industriale come un paesaggio mediatico che ha saturato la nostra visione delle cose. Il suo cinema ha anche indagato il valore universale dei miti di massa, il valore del glamour, quella qualità indotta dai media che rende un individuo o un soggetto seducente e distinguibile dagli altri, avendo posto il problema del nuovo protagonismo dell'individuo massa contemporaneo

Viaggio nell'aria di Sorrenti

Esistono diversi artisti di un certo spessore il cui destino è segnato da una sola canzone. Tre – quattro minuti condannano una intera discografia a rimanere sepolta nell’oblio. Un profilo che ben si adatta ad Alan Sorrenti. Figli delle stelle, hit nazionalpopolare ha oscurato un disco molto interessante del calibro di Aria. Siamo agli inizi degli anni settanta, per la precisione 1972, ed il musicista metà partenopeo e metà gallese debutta con un lavoro che è rappresenta un unicum nel panorama del rock nostrano. Un personalissimo viaggio psichedelico alla riscoperta della Mediterraneità attraverso uno strumento quale la voce. Un modus operandi con pochi eguali, siamo dalle parti di Stratos, sebbene il greco cavalcava altre praterie. Alan Sorrenti dimostra in Aria di poter reggere il confronto conle avanguardie progressive europee più sperimentali. Bellissime le contaminazioni con il folk con soluzioni insolite più che indovinate, perla assoluta la partecipazione del leggendario violinista Ponty nella lunga suite di oltre venti minuti che dà il titolo al disco. Intimista e struggente la ballad Vorrei incontrarti, seducenti le sperimentazioni di un pezzo quale La mia mente dove si aggira alla percussioni un allora sconosciuto Tony Esposito. Una fiaba ed un incanto che durano un solo album. Un vero peccato che poi Sorrenti non sia ritornato più su quei livelli. Ma forse il fascino di un’epoca e di una esperienza irripetibile sta anche nel suo essere un unicum

Sonatine...ieratico Kitano

Adoro Beat Takeshi Kitano ed il particolare il suo Sonatine. La storia di un uomo che va inevitabilmente incontro ad un destino fatale, senza paura ma con una stoica rassegnazione, è affascinante quanto basta per far emergere la poetica di questo autore. Filo conduttore di questa amara e disincantata parabola sull’ impossibilità di cambiare la propria esistenza, se macchiata dall’onta del crimine e dalle stimmate della violenza, è lo status dello Yakuza. Più che un uomo un mondo con i suoi codici e le sue ineluttabili regole. Esortato dal suo capo a compiere un’ultima missione sull’isola di Okinawa per appendere le pellicole al chiodo, si rende con il passare del tempo di essere scivolato in una trappola senza scampo. Vede man mano morire gli uomini della sua batteria e si innamora di una donna vittima di uno stupro. Sopravvissuto ad un agguato si rifugia con i suoi uomini in una casa su una spiaggia attendendo con la stoicità del samurai il compiersi del fato. Un film di una bellezza ammaliante nella purezza e nel rigore neoclassico delle immagine con alcuni topoi meravigliosamente svelati, fra cui il mare e l’acqua. Un male dove la violenza è quasi sublimata dall’ascetismo del protagonista. Tra comicità e tragedia, Kitano con un tocco magistrale ci rivela che la vita non è altro che lo scorrere delle lancette nell’ attesa della morte. E per grazia di Dio non ci sono fronzoli e deplorevoli tentativi di pietas.

Markopoulos, il simbolista della settima Musa

Gregory Markopoulos di chiara origine greca è noto per la trilogia Du sang, de la voluptè et de la mort il cui titolo ispirato a Maurice Barres è emblematico di un cinema esteta, vicino allo spirito simbolista e decadente. Markopoulos si distingue fra i registi underground per il peculiare elitarismo ed il gusto della perfezione tecnica per i suoi film ritratto con il loro montaggio ultrarapido che anticipano il cinema strutturale degli anni settanta.

Il tutto puntando sui valori di una controcultura che egli ha chiaramente annunciato, dando all’omosessualità libero accesso all’immagine. Il suo cinema ha personificato il tentativo di ricostruire una vita autentica, sottratta alla frantumazione dell’esistenza su cui pesano i rapporti sociali mercificati, e assunta nell’unità ideale di intelletto e sensibilità, nell’identificazione di erotismo e percezione visiva, nell’affermazione di una lingua iconica universale in cui si realizza una pratica totalmente liberatoria.

Si tratta di un progetto che mirava a creare una nuova religione, vale a dire una forma comunicativa assoluta nella quale si realizza compiutamente la vita. Il narcisismo, l’omosessualità, l’amore incestuoso, l’inseparabile unità della cultura maschile e femminile sono gli elementi su cui Markopoulos ha elaborato il proprio univeso filmico, rivisitando la mitologia classica.

I 99 luoghi segreti di Roma

Il fascino senza eguali di Roma. Ogni volta che arrivo nella Cittá Eterna mi pervade un senso di indicibile scoramento. Moriró senza aver visto tutto quello che avrei desiderato conoscere della Caput Mundi.

Ad accrescere questa sensazione un libro che ho acquistato quasi con indifferenza qualche mese fa , Le chiavi per aprire 99 luoghi segreti di Roma"di Costantino D'orazio. Una vera miniera di tesori nascosti e sconosciuti al grande pubblico, tra cui mi infilo anche io, o forse anche a qualche romano. Sono certo che anche gli stessi cittadini dell'Urbe passano con indifferenza ogni giorno davanti a meraviglie che meriterebbero un pomeriggio intero. Questo libercolo é una vera rivelazione. L'ho divorato letteralmente in poco tempo ed ha succitato in me grande curiosità. Diviso con arguzia per capitoli tematici, palazzi e ville, conventi e chiese, sotterranei e necropoli, siti in restauro, é un vademecum per lanciarsi alla scoperta di una parte dello straordinario patrimonio storico artistico capitolino ingiustamente sepolto da siti ben più famosi. Di facile lettura le 99 schede, che in poche battute riescono ad accendere il desiderio di visite che talvolta sono di difficile accesso. ma come dicevano i latini "Per aspera ad astra".

Scopro di essere stato uno dei fortunati l'anno scorso ad aver visitato Palazzo Farnese, luogo dove é nato il barocco, ma che mi mancano ancora il soffitto misterioso del Pinturicchio di Palazzo dei penitenzieri, Palazzo Falconieri con il lascito del Borromini. E continuando la Casa dei Cavalieri di Rodi, o il Villino Gamberini.

Da qualche mese questo libretto non manca mai nei miei viaggi a Roma.

Chroma, confessioni a colori ....

Al di lá dell'omaggio audio visivo di Blue,, il particolare rapporto affrontato da Jarman con colori, si é in un certo senso ben esplicato nel suo ultimo testo, Chroma che non é chiaramente un libro di cinema, ma l'estrema testimonianza artistica di un uomo che ha giocato con forme e colori per tutta una vita e che poco prima di morire ha lasciato un trattato su quei colori che, ormai cieco e roso dalla malattia oltre che dalla dolorosissima terapia, non era più in grado di vedere e distinguere. i ricordi di infanzia, le formule chimiche ed alchemiche per la creazione dei pigmenti, le citazioni di vari filosofi, versi di poeti, riferimenti al mondo dell'arte ed ai suoi protagonisti, la malattia e la morte si sovrappongono ai colori, cui é dedicato ogni soggolo capitolo, con un omaggio iniziale ad Arlecchino "figlio del caos", lasciandoci in ereditá quel mondo cromatico da lui tanto amato e che non desiderava vedere perso.